Barbaras Art

Mit dem Blick einer Malerin - Ein kleines Stück Atelier zum Mitnehmen

Sat, 14 Nov 2026 11:50:59 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Ein kleines Stück Atelier zum Mitnehmen

In meinem Atelier wird es langsam weihnachtlich.

Aquarelle liegen neben handgemalten Karten in unterschiedlichen Formaten. Einige sind bereits fertig, andere warten noch auf die letzten Pinselstriche.

Dazwischen stehen Rahmen, Papier und allerlei Dinge, die ich für einen besonderen Anlass zusammengesucht habe.

Am 5. Dezember werde ich mit meinen Arbeiten am kleinen Weihnachtsmärit «Weihnachtsstimmung im Schopf» in Hettiswil teilnehmen.

Und während ich mich darauf vorbereite, merke ich, wie viel Freude mir nicht nur das Malen selbst, sondern auch das Gestalten des Drumherums macht.

In den vergangenen Wochen sind eigens für diesen Anlass neue Karten entstanden.

Weihnachtliche Motive, kleine Naturbeobachtungen, Bilder, die auf wenig Papier ihre eigene Geschichte erzählen.

Manche sind ganz zurückhaltend. Andere bringen etwas mehr Farbe mit.

Mal sind es kleine Büttenpapierkarten, mal grössere Doppelkarten. Jedes Format eröffnet andere Möglichkeiten, ein Motiv wirken zu lassen.

Jede handgemalte Karte ist ein kleines Original.

Keine gleicht der anderen vollkommen.

Ich mag diese unterschiedlichen Formate.

Auf einer kleinen Karte braucht es oft nur wenige Pinselstriche, um etwas auszudrücken. Eine grössere Fläche hingegen gibt einem Motiv mehr Raum, lässt andere Kompositionen und Details zu.

Gerade diese Vielfalt reizt mich.

Nun überlege ich, wie ich all diese Arbeiten präsentieren möchte.

Denn am 5. Dezember werde ich nicht einfach meine Karten auf einen Tisch legen.

Ich möchte einen kleinen, stimmigen Ort schaffen.

Einen Ort, an dem die unterschiedlichen Formate zur Geltung kommen, die Farben miteinander harmonieren und jedes Bild genügend Raum erhält, um entdeckt zu werden.

Dafür habe ich bereits Dekoration ausgesucht.

Ich stelle mir vor, wie die Karten angeordnet sein könnten, welche Materialien dazu passen und wie ich mit kleinen Höhenunterschieden und einer zurückhaltenden Gestaltung Lebendigkeit auf den Tisch bringen kann.

Es ist ein bisschen wie beim Malen.

Auch hier überlege ich, wo etwas seinen Platz bekommt.

Was Aufmerksamkeit auf sich ziehen darf.

Wo Ruhe entstehen soll.

Und wie aus vielen einzelnen Elementen ein stimmiges Ganzes wird.

Neben den Karten werde ich voraussichtlich auch ein oder zwei grössere Bilder mitnehmen.

Einige Lesezeichen sollen ebenfalls dabei sein. Vielleicht finden auch meine kleinen Wortspuren einen Platz.

Doch die Karten werden im Mittelpunkt stehen.

Sie sind gewissermassen die kleinen Botschafterinnen meines Ateliers.

Ein Stück meiner Welt auf Papier.

Und ich mag den Gedanken, dass sie am Weihnachtsmärit von Menschen entdeckt werden, die meine Arbeiten vielleicht noch gar nicht kennen.

Dass jemand stehen bleibt, eine Karte in die Hand nimmt und genauer hinschaut.

Vielleicht, weil ihn ein Motiv an etwas erinnert.

Weil ihm die Farben gefallen.

Oder weil er darin etwas entdeckt, das er gerne einem anderen Menschen schenken möchte.

Denn eine handgemalte Karte ist für mich mehr als ein schöner Weihnachtsgruss.

Sie kann ein kleines Geschenk sein.

Ein Bild, das einen Platz auf einem Tisch, einem Regal oder an einer Wand findet.

Etwas, das bleiben darf, auch wenn Weihnachten längst vorüber ist.

Natürlich hoffe ich, dass meine Arbeiten Gefallen finden und einige davon ein neues Zuhause bekommen.

Aber ich freue mich ebenso auf die Begegnungen.

Auf Menschen, die neugierig werden.

Auf Gespräche über meine Motive, meine Farben und die Art, wie meine Bilder entstehen.

Bis dahin gibt es noch einiges vorzubereiten.

Weitere Karten werden gemalt, Bilder ausgewählt und die Präsentation nach und nach zusammengestellt.

Noch steht der Verkaufstisch nur in meiner Vorstellung.

Doch langsam bekommt er Gestalt.

Ich freue mich darauf, am 5. Dezember ein kleines Stück meines Ateliers nach Hettiswil mitzunehmen.

Nicht das ganze Atelier natürlich.

Aber etwas von dem, was es für mich ausmacht.

Die Freude am Gestalten.

Die Liebe zu den kleinen Dingen.

Und Bilder, die vielleicht bald andere Menschen begleiten werden.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Wenn aus Wollen Müssen wird

Sat, 07 Nov 2026 12:25:58 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Wenn aus Wollen Müssen wird

Es gibt Tage, da habe ich einen ganz bestimmten Plan.

Zum Beispiel, einen ganzen Nachmittag im Atelier zu verbringen. Zu malen, die Farben hervorzuholen, mich einem Bild zu widmen und zu schauen, wohin es mich führt.

Kürzlich hatte ich mir genau das vorgenommen.

Doch dann kam es anders.

Statt ins Atelier zu gehen, bin ich mit unserem Hund in den Wald gegangen.

Die Herbstsonne schien durch die Bäume, das Laub leuchtete in warmen Farben. Wir waren draussen, unterwegs, ohne etwas fertigstellen zu müssen.

Es hat unglaublich gutgetan.

Im Nachhinein wurde mir bewusst, weshalb ich diesen Nachmittag wohl so sehr gebraucht hatte.

In meinem Atelier ist gerade einiges los.

Bilder werden gerahmt. Zwei Ausstellungen stehen bevor. Ende November werde ich die Arbeiten an ihren neuen Orten aufhängen.

Für den kleinen Weihnachtsmärit «Weihnachtsstimmung im Schopf» am 5. Dezember bereite ich weitere Werke vor.

Meine Jules entstehen als Weihnachtspräsente für meine Klientinnen und Klienten. Jede Karte wird von Hand gemalt und erhält auf der Rückseite einen Text.

Daneben durchforste ich mein Fotoarchiv. So viele festgehaltene Augenblicke, aus denen neue Aquarelle entstehen könnten.

Dann ist da noch mein erstes schwarzes Pferd.

Ein Bild, das mit flüssiger Kohle entsteht.

Die erste Schicht ist aufgetragen. Ich bin neugierig, wie sich die zweite und dritte Schicht verhalten werden. Welche Tiefe entsteht, wie sich die Struktur verändert und ob ich dem Ausdruck näherkomme, den ich mir für dieses Bild wünsche.

Eigentlich würde ich gerne weitermalen.

Aber gerade stehen andere Dinge im Vordergrund.

Dinge, die einen Termin bekommen haben.

Mit diesen Terminen hat sich ein Gefühl in mein Atelier geschlichen, das ich dort eigentlich gar nicht haben möchte.

Ich muss.

Ich muss die Karten fertigstellen.

Ich muss die Bilder vorbereiten.

Ich muss an die Ausstellungen denken.

Ich muss rechtzeitig bereit sein.

Dabei möchte ich all das ja tun.

Ich habe mich selbst dafür entschieden. Ich freue mich darauf, meine Arbeiten zu zeigen, Menschen mit meinen Bildern zu erreichen und kleine persönliche Geschenke zu gestalten.

Trotzdem ist aus der Vorfreude stellenweise Druck geworden.

Eine innere Hektik, die mich sogar dann begleitet, wenn ich eigentlich Zeit hätte.

Denn kaum denke ich daran, einfach ein neues Bild zu beginnen, meldet sich dieser andere Gedanke:

Solltest Du nicht zuerst das erledigen, was noch fertig werden muss?

Plötzlich fühlt sich das freie Malen beinahe wie etwas an, das ich mir erst verdienen müsste.

Das beschäftigt mich.

Mein Atelier ist für mich viel mehr als ein Ort, an dem Bilder entstehen.

Hier darf ich ausprobieren, entdecken, verwerfen, neu beginnen.

Ich darf einer Idee folgen, ohne bereits zu wissen, was daraus wird.

Ich darf neugierig sein.

Gerade diese Freiheit liebe ich am Malen.

Doch im Moment gestehe ich sie mir selbst zu wenig zu.

Nicht, weil mir jemand verbieten würde, einfach zu malen.

Ich bin es, die sich diese Erlaubnis gerade nicht gibt.

Eine erstaunliche Erkenntnis.

Wie schnell können wir selbst aus etwas Schönem eine Verpflichtung machen?

Wie leicht gerät die Freude am Tun hinter den Wunsch, alles rechtzeitig und möglichst gut zu erledigen?

Und wann haben wir eigentlich begonnen zu glauben, dass zuerst alles andere fertig sein muss, bevor wir uns dem widmen dürfen, was uns guttut?

An jenem Nachmittag habe ich darauf keine abschliessende Antwort gefunden.

Aber ich war im Wald.

Habe die Sonne auf meinem Gesicht gespürt, die Herbstfarben betrachtet und die gemeinsame Zeit mit unserem Vierbeiner genossen.

Ohne etwas abzuarbeiten.

Ohne ein Ergebnis vorweisen zu müssen.

Es war ein Nachmittag, den ich anders geplant hatte.

Und einer, den ich genau so gebraucht habe.

Die Vorbereitungen werden mich in den nächsten Wochen weiter begleiten. Sie gehören zu meinem künstlerischen Schaffen und ich freue mich auf das, was daraus entsteht.

Aber ich möchte ihnen nicht den ganzen Raum überlassen.

Mein schwarzes Pferd wartet noch auf seine nächsten Kohleschichten.

Ich bin gespannt darauf, was geschehen wird, wenn ich den Pinsel wieder auf das Papier setze. Wie sich die Kohle verhält, welche Strukturen entstehen und wie sich das Bild weiterentwickelt.

Dafür möchte ich mir Zeit nehmen.

Nicht irgendwann, wenn alles andere erledigt ist.

Sondern weil auch dieses neugierige, freie Gestalten seinen Platz in meinem Atelier haben darf.

Vielleicht liegt genau darin meine kleine Aufgabe für die nächsten Wochen:

Mich daran zu erinnern, dass nicht jede Stunde im Atelier einem Ergebnis dienen muss.

Dass ich malen darf, ohne zuerst alles erledigt zu haben.

Und dass ein Nachmittag im Herbstwald manchmal mehr für meine Kreativität tun kann als ein weiterer Punkt auf meiner Aufgabenliste.

Ich möchte mich immer wieder daran erinnern, weshalb ich überhaupt angefangen habe zu malen.

Nicht, weil ich musste.

Sondern weil ich wollte.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Schwarz ist nicht gleich Schwarz

Sat, 31 Oct 2026 07:49:58 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Schwarz ist nicht gleich Schwarz

Schwarz ist schwarz.

Könnte man meinen.

Doch seit einiger Zeit entdecke ich, wie viele unterschiedliche Gesichter diese vermeintlich einfache Farbe haben kann.

Ich experimentiere mit flüssiger Kohle.

Ein Material, das mich neugierig gemacht hat, weil es sich mit meinen Aquarellfarben verbinden lässt und gleichzeitig ganz eigene Eigenschaften mitbringt.

Schon beim ersten Pinselstrich merke ich den Unterschied.

Der Pinsel gleitet nicht so über das Papier, wie ich es von meinen Aquarellfarben gewohnt bin.

Da ist dieses feine, beinahe kratzende Gefühl.

Als würde ich das Material nicht nur sehen, sondern auch spüren.

Die Kohle verhält sich anders. Sie fordert mich heraus, genauer hinzuschauen und bewusster mit dem Pinsel umzugehen.

Besonders spannend finde ich, was beim Trocknen geschieht.

Solange die Kohle noch feucht ist, zeigt sie sich anders als später auf dem trockenen Papier.

Erst dann erkenne ich ihre eigentliche Farbigkeit.

Ihre Tiefe.

Ihre Struktur.

Die feinen Unterschiede, die im ersten Moment kaum sichtbar waren.

Dabei hat es mir ein Farbton besonders angetan.

Traubenkernschwarz.

Schwarz und doch nicht hart.

Erdig und trotzdem nicht schwer.

Ein Farbton, der Tiefe besitzt, ohne sich aufzudrängen.

Ich mag diese besondere Zurückhaltung.

Sie erinnert mich daran, weshalb ich auch bei meinen Aquarellen immer wieder zu bestimmten Erdtönen und zu Payne's Grey greife.

Mich interessieren die Zwischentöne.

Das, was sich nicht auf den ersten Blick erschliesst.

Die feinen Unterschiede innerhalb einer Farbe.

Mit der flüssigen Kohle entdecke ich nun eine weitere Möglichkeit, genau damit zu arbeiten.

Besonders neugierig macht mich ihr Zusammenspiel mit meinen vertrauten Aquarellfarben.

Die Kohle bringt ihre körnige Struktur mit.

Die Aquarellfarbe ihre Transparenz und die fliessenden Übergänge.

Beides hat seinen eigenen Charakter.

Zusammen eröffnen sich neue Möglichkeiten.

Aber diese Verbindung verlangt auch Aufmerksamkeit.

Ich kann nicht einfach so weitermalen, wie ich es gewohnt bin.

Ich muss beobachten, wie sich die Materialien verhalten.

Wie viel Wasser sie brauchen.

Was geschieht, wenn ich eine weitere Schicht auftrage.

Welche Wirkung entsteht, wenn sich die unterschiedlichen Strukturen begegnen.

Nicht jeder Versuch führt zu dem Ergebnis, das ich mir vorgestellt habe.

Manchmal braucht es weniger Farbe.

Manchmal mehr Geduld.

Manchmal muss ich ein Bild erst vollständig trocknen lassen, bevor ich entscheiden kann, wie es weitergeht.

Das ist ungewohnt.

Aber gerade darin liegt für mich ein besonderer Reiz.

Ich lerne ein Material kennen.

Nicht nur seine Möglichkeiten, sondern auch seine Eigenheiten und Grenzen.

Dabei merke ich, wie wichtig mir etwas geworden ist:

Ich möchte nicht einfach einen interessanten Effekt erzielen.

Ich möchte, dass das Material dem Motiv gerecht wird.

Dass seine Struktur etwas zum Ausdruck beiträgt.

Dass die Farbigkeit stimmt.

Dass Kohle und Aquarell einander ergänzen, ohne sich gegenseitig die Wirkung zu nehmen.

Dafür muss ich noch bewusster arbeiten.

Genauer beobachten.

Manchmal auch meine gewohnten Abläufe hinterfragen.

Denn ein Material zu beherrschen bedeutet für mich nicht, ihm jede Eigenwilligkeit zu nehmen.

Es bedeutet, seine Eigenschaften so gut kennenzulernen, dass ich entscheiden kann, wann und wie ich sie einsetzen möchte.

Das braucht Zeit.

Versuche.

Erfahrungen.

Und die Bereitschaft, nicht gleich beim ersten Anlauf ein fertiges Bild erwarten zu müssen.

Ich mag diesen Teil des Malens.

Dieses Entdecken.

Das genaue Hinschauen.

Die Freude, wenn ich plötzlich verstehe, weshalb etwas funktioniert – oder eben nicht.

Mit jedem Versuch wird mir die flüssige Kohle ein wenig vertrauter.

Noch bin ich am Anfang.

Noch überraschen mich ihre Reaktionen.

Aber ich spüre bereits, dass sie meinen Aquarellen etwas geben kann, das ich mit Farbe allein nicht auf dieselbe Weise erreiche.

Eine besondere Tiefe.

Eine erdige Struktur.

Eine andere Art von Lebendigkeit.

Und während ich mich mit diesem neuen Material beschäftige, denke ich immer wieder an meinen ersten Eindruck zurück.

Schwarz ist schwarz.

Wie wenig dieser Satz doch darüber erzählt, was sich hinter einer Farbe verbergen kann.

Manchmal braucht es einen zweiten Blick.

Manchmal muss etwas erst trocknen, bevor seine ganze Wirkung sichtbar wird.

Und manchmal lohnt es sich, etwas Vertrautes noch einmal ganz neu kennenzulernen.

Schwarz ist eben nicht gleich Schwarz.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Die Freiheit, mehr als eines zu sein

Sat, 24 Oct 2026 11:01:07 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Die Freiheit, mehr als eines zu sein

Gestern habe ich meine Aquarelle betrachtet.

Nicht ein einzelnes Bild, sondern viele nebeneinander.

Dabei ist mir etwas aufgefallen: Abgesehen von meinen Vögeln bewegen sich die meisten Arbeiten in einer ähnlichen Farbwelt.

Erdtöne. Warmes Grau. Beige. Braun. Hier und da ein wenig Gold.

Ich mag diese Farben. Ihre Ruhe, ihre Zurückhaltung, ihre Selbstverständlichkeit.

Sie entsprechen meiner heutigen Art zu malen. Sie sind zu einer Art Handschrift geworden.

Doch während ich die Bilder betrachtete, tauchte eine Frage auf:

Wird aus einer Handschrift irgendwann eine Gewohnheit? Und könnte aus dieser Gewohnheit eine Begrenzung werden?

Heute habe ich drei Acrylbilder aus dem Jahr 2021 hervorgeholt.

Kräftige Farben. Lebendige Kontraste. Abstrakte Formen.

Arbeiten aus einer Zeit, in der ich überwiegend auf Leinwand malte.

Ich habe sie in die Fenster meines Ateliers gehängt. Dort sollen sie die Blicke auf sich ziehen, neugierig machen und etwas von meiner Malerei nach aussen tragen.

Als ich sie so vor mir sah, blieb ich einen Moment stehen.

Ich betrachtete die Farben, die Formen, die Bewegungen.

Und stellte fest, wie gut mir diese Bilder noch immer gefallen.

Da war sie plötzlich wieder.

Diese Lust, mit kräftigen Farben zu arbeiten.

Grosszügig zu malen. Farben aufeinander treffen zu lassen. Bewegungen zuzulassen, die auf einem grossen Bild eine ganz andere Wirkung entfalten als auf einem kleinen Aquarell.

Ich hatte nicht danach gesucht.

Eigentlich wollte ich nur drei Bilder in die Fenster hängen.

Stattdessen bin ich einer Seite meiner Malerei wiederbegegnet, die in den letzten Monaten etwas in den Hintergrund gerückt war.

Nicht verschwunden.

Nur gerade nicht im Mittelpunkt.

Denn meine Aquarelle liebe ich nach wie vor.

Ihre Transparenz. Ihre Eigenwilligkeit. Die feinen Möglichkeiten, die sie mir eröffnen.

Das bewusste Reduzieren. Das Weglassen. Den Raum, den ich dem Papier lasse.

All das entspricht mir.

Aber weshalb sollte das eine das andere ausschliessen?

Diese Frage beschäftigt mich auch jenseits der Malerei.

Wir Menschen entwickeln im Laufe unseres Lebens Vorstellungen davon, wer wir sind.

Wir entdecken Vorlieben, entwickeln Überzeugungen, finden unseren eigenen Weg.

Mit der Zeit entsteht ein Bild von uns selbst.

Das gibt uns Halt und Orientierung.

Manchmal beginnen wir jedoch, uns auf dieses Bild festzulegen.

Ich bin so.

Das passt zu mir.

Das andere bin ich nicht.

Solche Sätze können Klarheit schaffen. Sie können aber auch dazu führen, dass wir uns selbst weniger Möglichkeiten zugestehen, als eigentlich in uns stecken.

Ich mag es nicht besonders, mich festlegen zu müssen.

Nicht aus Unentschlossenheit.

Sondern weil ich in vielem mehr als eine Möglichkeit sehe.

Weil mich Unterschiedliches interessiert.

Weil ich gerne Neues entdecke, ohne deshalb das Vertraute aufgeben zu wollen.

Auch meine Malerei hat sich über die Jahre verändert.

Ich habe ausprobiert, verworfen, weiterentwickelt.

Manches ist geblieben. Anderes hat an Bedeutung verloren. Wieder anderes entdecke ich irgendwann neu.

Dabei muss ich nicht jedes Mal entscheiden, welche dieser Seiten nun die richtige ist.

Sie gehören alle zu mir.

Die Malerin, die mit feinen Pinseln und transparenten Lasuren arbeitet.

Diejenige, die sich an warmen Erdtönen und kühlem Payne's Grey erfreut.

Aber auch die Malerin, die kräftige Farben liebt, grosszügige Bewegungen und das Spiel mit Kontrasten.

Ich brauche keine einzige Farbwelt, um eine erkennbare Handschrift zu haben.

Meine Handschrift liegt nicht nur in den Farben, die ich verwende.

Sie zeigt sich auch darin, wie ich wahrnehme, gestalte und entscheide.

Was mich interessiert.

Was mich berührt.

Was ich sichtbar machen möchte.

Und ich muss nicht aufhören, die Stille zu lieben, nur weil mich gerade die Lebendigkeit ruft.

Meine Aquarelle bleiben.

Sie sind gegenwärtig der Mittelpunkt meines künstlerischen Schaffens.

Aber neben ihnen darf anderes Platz haben.

Vielleicht werde ich schon bald wieder eine grosse Leinwand hervorholen.

Vielleicht bleiben die drei Acrylbilder in meinen Atelierfenstern vorerst einfach eine schöne Erinnerung an eine andere Seite meiner Malerei.

Beides ist in Ordnung.

Denn ich muss heute noch nicht entscheiden, was ich morgen malen werde.

Als ich die drei Bilder aufgehängt hatte, wollte ich eigentlich nur, dass sie von draussen gesehen werden können.

Nun haben sie auch bei mir selbst etwas ausgelöst.

Sie haben mich daran erinnert, wie viel Freude mir diese Art zu malen gemacht hat.

Und dass ich mir diese Freude jederzeit wieder erlauben darf.

Eine eigene Linie zu finden, bedeutet für mich nicht, ihr um jeden Preis folgen zu müssen.

Ich darf mich verändern.

Ich darf Vertrautes lieben und gleichzeitig Neues ausprobieren.

Ich darf frühere Seiten von mir wiederentdecken, ohne deshalb meinen heutigen Weg infrage zu stellen.

Ich möchte mir treu bleiben, ohne mich auf das festzulegen, was ich gestern war.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

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Mit dem Blick einer Malerin - Kleine Anker für den Augenblick

Sat, 17 Oct 2026 07:59:26 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Kleine Anker für den Augenblick

In den letzten Tagen sind in meinem Atelier wieder einige kleine Aquarelle entstanden.

Wortspuren.

Neun mal neun Zentimeter gross. Jedes mit einem eigenen Motiv und einem Wort, das es begleitet.

Eine Schwalbe. Ein Rotkehlchen. Ein Reh. Blumen in unterschiedlichen Farben. Eine Pusteblume, deren feine Samen sich auf den Weg machen.

Ich habe jedes Motiv bewusst gewählt, gestaltet und gemalt.

Jetzt liegen sie nebeneinander.

Ich schaue sie an.

Und muss lächeln.

Nicht, weil sie besonders gross oder aufwendig wären.

Sondern weil sie mir ganz einfach gefallen.

Weil ich Freude daran habe, wie sie geworden sind.

Und weil ich in ihnen etwas wiedererkenne, das mir entspricht.

Beim Malen fällt mir immer wieder auf, wie sehr mich bestimmte Farben anziehen.

Die warmen Erdtöne.

Ein sanftes Braun. Ein zurückhaltendes Beige.

Die vielen Zwischentöne, die entstehen, wenn sich Farben auf dem Papier begegnen.

Und dann ist da Payne's Grey.

Dieses tiefe, kühle Blaugrau, zu dem ich immer wieder greife.

Manchmal fast schwarz. Manchmal ein zarter, transparenter Hauch von Blau.

Ich mag diese Farbe.

Ihre Tiefe. Ihre Ruhe. Die vielen Möglichkeiten, die in ihr stecken.

Ab und zu male ich auch mit kräftigeren Farben.

Eine rote Blüte darf leuchten.

Eine Rose darf sich in ihrem satten Rosa zeigen.

Und manchmal braucht ein Motiv genau diesen einen Farbtupfer, damit es für mich stimmt.

Meine Freude am Malen zeigt sich nicht unbedingt in möglichst vielen oder möglichst bunten Farben.

Sie liegt oft gerade in den leisen Tönen.

In einer feinen Abstufung.

In einem kleinen Detail.

In dem Moment, in dem ich den Pinsel absetze, einen Schritt zurücktrete und denke:

Ja. Genau so.

Vielleicht ist es genau das, was ich an der Malerei so liebe.

Sie lässt mich innehalten.

Genauer hinschauen.

Etwas wahrnehmen, an dem ich sonst vielleicht achtlos vorbeigegangen wäre.

Eine Schwalbe im Flug.

Ein Rotkehlchen auf einem Zweig.

Eine Blume, die sich dem Licht entgegenstreckt.

Alles Dinge, die uns vertraut sind.

Die einfach da sind.

Und die wir gerade deshalb manchmal kaum mehr bewusst wahrnehmen.

Beim Malen beschäftige ich mich mit ihnen.

Mit ihren Formen, ihren Farben, ihrem Wesen.

Ich schenke ihnen meine Aufmerksamkeit.

Vielleicht geschieht dabei etwas ganz Einfaches:

Was vorher selbstverständlich schien, wird plötzlich wieder besonders.

Nicht, weil es sich verändert hat.

Sondern weil ich anders hinschaue.

Dieses genaue Hinschauen begleitet mich auch beim Gestalten.

Ich überlege, welche Farben einem Motiv gerecht werden.

Was ich hervorheben möchte.

Was zurückhaltend bleiben darf.

Manchmal braucht es noch eine feine Linie. Manchmal ist es gerade der freie Raum, der einem Bild seine Wirkung gibt.

Es sind viele kleine Entscheidungen.

Manche treffe ich ganz bewusst. Andere ergeben sich aus meiner Erfahrung und meinem Gefühl für das, was ich vor mir sehe.

Und irgendwann liegt ein fertiges Bild da.

Eines, das nicht alles zeigen muss.

Das Raum lässt.

Zum Hinschauen.

Zum Entdecken.

Vielleicht auch zum eigenen Weiterdenken.

Als ich meine neuen Wortspuren nebeneinandergelegt habe, ist mir aufgefallen, wie unterschiedlich sie sind.

Jedes Motiv hat seinen eigenen Charakter.

Und trotzdem gehören sie für mich zusammen.

Nicht, weil ich sie als Serie geplant hätte.

Sondern weil ich in allen meine eigene Handschrift erkenne.

Meine Vorliebe für bestimmte Farben.

Meine Freude an feinen Details.

Meine Art, etwas wahrzunehmen und auf Papier festzuhalten.

Diese kleinen Bilder lassen mein Herz lächeln.

Das klingt vielleicht etwas ungewohnt.

Aber genau so fühlt es sich an.

Ich schaue sie an und freue mich.

Ganz einfach.

Ohne dass ich dafür einen besonderen Grund brauche.

Und während ich sie so betrachte, denke ich daran, dass diese kleinen Aquarelle irgendwann vielleicht bei ganz unterschiedlichen Menschen landen werden.

Eine Karte wird verschenkt.

Eine andere findet ihren Platz auf einem Schreibtisch.

Vielleicht steht eine neben einem Foto.

Oder liegt an einem Ort, an dem jemand sie immer wieder einmal zur Hand nimmt.

Und vielleicht bleibt der Blick dann für einen Augenblick daran hängen.

An einer Blume.

An einem Vogel.

An einem einzigen Wort.

Vielleicht löst es eine Erinnerung aus.

Vielleicht einen Gedanken.

Oder einfach ein kleines Lächeln.

Ich weiss nicht, was andere Menschen darin entdecken werden.

Mir gefällt die Vorstellung, dass etwas so Kleines einen Moment im Alltag begleiten kann.

Nicht als grosse Botschaft.

Nicht als Aufforderung, etwas zu verändern.

Sondern einfach als etwas Schönes, das da ist.

Ein kleiner Anker für den Augenblick.

Vielleicht ist es genau das, was ich an diesen Wortspuren so mag.

Sie brauchen nicht viel Platz.

Sie drängen sich nicht auf.

Und doch können sie etwas in uns berühren.

Mich haben sie beim Malen mit Freude erfüllt.

Und jetzt, wo sie nebeneinanderliegen, tun sie es noch einmal.

Vielleicht ist das schon Grund genug, immer wieder neue entstehen zu lassen.

Neun mal neun Zentimeter.

Ein Motiv. Ein Wort.

Und manchmal ein kleines Lächeln mitten im Tag.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Anders als gedacht

Sat, 10 Oct 2026 07:28:55 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Anders als gedacht

Manchmal habe ich ein Bild ziemlich genau im Kopf, bevor ich den ersten Pinselstrich setze.

Nicht bis ins letzte Detail.

Aber ich weiss, welche Stimmung es haben soll. Wo etwas leicht bleiben darf. Wo Farbe Raum bekommt. Wo vielleicht nur eine feine Linie genügt.

Bei meiner Pusteblume war das so.

Ich hatte eine Vorstellung.

Etwas Leichtes sollte entstehen.

Feine Samen, die sich lösen. Bewegung. Luft. Viel Raum.

Und dann kam dieser eine Moment.

Die Farbe war noch nass, und ich nahm den Stiel meines Pinsels, um feine Linien hineinzuziehen.

In diesem Augenblick gefiel mir, was geschah.

Was ich nicht bedacht hatte:

Nasse Aquarellfarbe vergisst nicht.

Als das Papier trocknete, wurden die Linien immer deutlicher.

Viel deutlicher, als ich sie haben wollte.

Ich schaute auf das Bild und wusste sofort:

So hatte ich mir das nicht vorgestellt.

Mein erster Impuls war, es zu korrigieren.

Die Linien irgendwie zurückzunehmen.

Sie verschwinden zu lassen.

Das Bild wieder näher an das heranzubringen, das ich vorher in meinem Kopf gesehen hatte.

Nur – das ging nicht.

Die Linien waren da.

Im Papier.

Ein Teil des Bildes geworden.

Und irgendwann merkte ich, dass ich mir die falsche Frage stellte.

Nicht mehr:

Wie bekomme ich das wieder weg?

Sondern:

Was mache ich jetzt mit dem, was da ist?

Vielleicht liegt genau zwischen diesen beiden Fragen etwas, das weit über das Malen hinausgeht.

Denn was geschehen ist, ist geschehen.

Die Linien sind im Papier.

Ich kann mich darüber ärgern.

Ich kann enttäuscht sein.

Ich kann mir wünschen, ich hätte den Pinselstiel nie in die Hand genommen.

All das verändert das Bild nicht.

Aber ich kann entscheiden, wie ich auf das reagiere, was nun vor mir liegt.

Und vielleicht ist genau das eine Freiheit, die wir viel öfter haben, als uns bewusst ist.

Nicht die Freiheit, alles ungeschehen zu machen.

Nicht die Freiheit, immer das zu bekommen, was wir uns vorgestellt haben.

Sondern die Freiheit, uns immer wieder neu zu entscheiden, wie wir mit dem umgehen, was ist.

Beim Malen bedeutet das für mich:

noch einmal hinschauen.

Nicht sofort urteilen.

Wahrnehmen, was tatsächlich vor mir liegt – und nicht nur, was eigentlich hätte entstehen sollen.

Und irgendwann entscheiden, was der nächste Strich sein darf.

Also habe ich weitergemalt.

Nicht mehr gegen diese Linien.

Sondern mit ihnen.

Ich habe geschaut, was das Bild jetzt braucht.

Wo ich etwas aufnehmen kann.

Wo etwas ruhiger werden darf.

Wo vielleicht gerade durch das Ungeplante etwas entsteht, auf das ich selbst nie gekommen wäre.

Und langsam veränderte sich mein Blick.

Nicht unbedingt das Bild.

Mein Blick darauf.

Das finde ich im Nachhinein fast spannender als die Pusteblume selbst.

Denn manchmal halten wir sehr lange an einer Vorstellung davon fest, wie etwas hätte werden sollen.

Und solange wir nur dieses Bild vor Augen haben, sehen wir kaum, was tatsächlich vor uns liegt.

Beim Malen kann ich das erstaunlich gut beobachten.

Es gibt einen Moment, in dem ich aufhören muss, mein ursprüngliches Bild retten zu wollen.

Sonst kämpfe ich irgendwann gegen das, was längst entstanden ist.

Das bedeutet nicht, dass ich plötzlich alles schön finden muss.

Manches bleibt ein Fehler.

Manches funktioniert tatsächlich nicht.

Und manches Bild landet auch bei mir irgendwann zur Seite.

Aber nicht alles, was anders wird als gedacht, ist deshalb misslungen.

Manchmal zwingt mich gerade das Ungeplante, genauer hinzusehen.

Anders weiterzudenken.

Eine Lösung zu suchen, die ich vorher gar nicht gebraucht hätte.

Vielleicht sogar etwas zu entdecken, das in meiner ursprünglichen Vorstellung keinen Platz hatte.

Meine Pusteblume ist nicht das Bild geworden, das ich am Anfang im Kopf hatte.

Die Linien sind noch immer da.

Und inzwischen denke ich:

Das dürfen sie auch.

Sie gehören zu diesem Bild.

Zu seinem Entstehen.

Zu diesem einen Moment, in dem ich etwas getan habe, ohne zu wissen, was es bewirken würde.

Und zu allem, was danach daraus entstanden ist.

Vielleicht muss deshalb auch nicht immer alles wieder weg, was wir uns anders gewünscht hätten.

Manches lässt sich ohnehin nicht entfernen.

Aber wir können hinschauen.

Wir können entscheiden, was wir damit machen.

Und wir können unseren nächsten Strich setzen.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

STILLE BEGEGNUNGEN – Angekommen

Sat, 03 Oct 2026 08:02:24 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Angekommen

Vor ein paar Wochen standen sie noch in meinem Atelier.

An Wände gelehnt.

Auf Staffeleien.

Manche frisch gerahmt, andere warteten noch darauf.

Ich habe überlegt, welche Bilder miteinander können.

Welche Abstand brauchen.

Welches für sich allein stehen darf.

Dann wurden sie eingepackt.

Ins Auto getragen.

Und schliesslich wieder ausgepackt.

Im Sternen in Detligen.

Dort bekam jedes seinen Platz.

Plötzlich hing ein Pferd über einem Klavier.

Meine Eulen fanden ihren Platz zwischen altem Holz.

Ein Kleiber begegnete einer rauen weissen Wand.

Und manches Bild wirkte an seinem neuen Ort plötzlich ein wenig anders, als ich es aus meinem Atelier kannte.

Ich trat zurück.

Schaute.

Veränderte noch etwas.

Trat wieder zurück.

Bis irgendwann dieser Moment kam, in dem ich nichts mehr verschieben wollte.

 Sie waren angekommen.

Aber Bilder an einer Wand machen noch keine Begegnung.

Das wurde mir gestern an der Vernissage wieder einmal mehr bewusst.

Zuerst war da dieser Raum.

Die Bilder waren bereit.

Die Karten lagen da.

Das Gästebuch wartete.

Die Gläser standen bereit.

Alles hatte seinen Platz.

Und dann kamen die Menschen.

Sie gingen durch die Räume.

Blieben stehen.

Schauten.

Manche kamen ganz nah an ein Bild heran.

Andere traten wieder einen Schritt zurück.

Es wurde gefragt, erzählt und gelacht.

Ich durfte über meine Bilder sprechen. Über ihre Entstehung, über Materialien, Gedanken und manchmal auch über Umwege.

Und gleichzeitig durfte ich zuhören.

Welches Bild zieht jemanden an?

Wo bleibt ein Blick länger hängen?

Was entdeckt jemand, das ich selbst vielleicht gar nie so gesehen habe?

Und irgendwann wurde mir etwas bewusst.

Solange ein Bild in meinem Atelier steht, kenne nur ich seine Geschichte.

Ich weiss, wo es begonnen hat.

Wo ich gezögert habe.

Wo etwas ganz anders geworden ist, als ich es geplant hatte.

Und irgendwann weiss ich:

Jetzt ist es fertig.

Doch in dem Moment, in dem ein anderer Mensch davorsteht, beginnt eine neue Geschichte.

Eine, die ich nicht mehr kenne.

Vielleicht erinnert ein Vogel an einen Garten.

Ein Pferd an eine Begegnung von früher.

Vielleicht bleibt jemand an einem Blick hängen.

An einer Farbe.

An einer Haltung.

Vielleicht entsteht eine Erinnerung.

Oder einfach ein Gefühl, für das es gar keine Worte braucht.

Ich kann nicht bestimmen, was jemand in meinen Bildern sieht.

Und ich will es auch nicht.

Vielleicht gehört genau das zum Loslassen eines Bildes.

Dass irgendwann nicht mehr nur zählt, was ich hineingelegt habe.

Sondern auch das, was ein anderer Mensch darin findet.

Gestern durfte ich genau das beobachten.

Aus Bildern wurden Begegnungen.

Und dafür möchte ich heute einfach Danke sagen.

Danke an alle, die gestern da waren.

Danke für Euer Kommen.

Für Euer Interesse an meiner Arbeit.

Für die vielen Gespräche, Fragen und Rückmeldungen.

Für das gemeinsame Lachen.

Für das genaue Hinschauen.

Und auch für jene stillen Augenblicke, in denen jemand einfach vor einem meiner Bilder stehen blieb.

Es bedeutet mir viel, dass Ihr Euch auf meine Bilder eingelassen habt.

Dass Ihr Euch Zeit genommen habt.

Und dass aus einer Ausstellung, die über viele Wochen in meinem Kopf und in meinem Atelier entstanden ist, gestern etwas Lebendiges wurde.

Mein Dank gilt auch all jenen Menschen, die mich auf dem Weg bis hierher begleitet, unterstützt und ermutigt haben.

Und natürlich dem Sternen Detligen, der meinen Bildern für die kommenden Monate ein Zuhause gibt.

Als ich gestern irgendwann in diesem Raum stand, zwischen meinen Bildern und all den Menschen, dachte ich:

Jetzt sind sie wirklich angekommen.

Nicht, weil sie an einer Wand hängen.

Sondern weil jemand davor stehen bleibt.

Genau dort beginnt der Teil eines Bildes, den ich nicht mehr malen kann.

Sein eigenes Weiterleben.

Seine Begegnungen.

Seine Geschichten.

Meine Bilder bleiben nun bis Ende März 2027 im Sternen.

Wer ihnen in dieser Zeit begegnet, was jemand in ihnen entdeckt oder was sie vielleicht für einen kleinen Moment auslösen, werde ich nur selten erfahren.

Und das ist gut so.

Ich habe sie gemalt.

Ich habe ihnen Namen gegeben.

Ich habe sie hinausgegeben.

Jetzt dürfen sie ihren eigenen Weg gehen.

Und gestern wurde mir noch einmal bewusst, wie sehr der Name dieser Ausstellung zu dem passt, was ich mir für meine Bilder wünsche:

STILLE BEGEGNUNGEN.

Danke für diesen wunderbaren Anfang.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Einfach da

Sat, 26 Sep 2026 08:31:31 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Einfach da

Stell Dir vor, Du kommst in einen Raum.

An einer Wand hängt ein Bild.

Du gehst daran vorbei – und bleibst stehen.

Warum, weisst Du im ersten Moment vielleicht gar nicht.

Du schaust.

Lässt das Bild auf Dich wirken.

Da sind diese Augen.

Tief. Wach.

Vielleicht ist es ein Vogel.

Und während Du ihn betrachtest, hörst Du beinahe seinen Gesang.

Vielleicht ein Schmetterling.

Für einen Augenblick siehst Du ihn förmlich davonfliegen.

Eine Eule.

Irgendwo in Deiner Erinnerung ist plötzlich ihr Ruf in der Nacht.

Oder ein Reh.

Du gehst in Gedanken durch den Wald.

Leise.

Achtsam.

Und plötzlich steht es da.

Vor Dir.

Wach.

Ganz da.

Für einen kurzen Moment begegnen sich Eure Blicke.

Und flups – ist es verschwunden.

Vielleicht ist es auch ein Fasan.

Diese Farben.

Diese beinahe unglaubliche Pracht.

Und irgendwann stellte ich mir eine Frage, die eigentlich naheliegend wäre:

Warum male ich immer wieder Tiere?

Natürlich mag ich Tiere.

Aber das allein ist es nicht.

Es ist ihre Haltung.

Ihre Präsenz.

Ein Vogel singt bei Regen und bei Sonnenschein.

Ein Pferd kann anmutig sein. Stolz. Kraftvoll. Eigenwillig.

Ein Reh steht für wenige Sekunden am Waldrand, vollkommen wach – und ist im nächsten Augenblick verschwunden.

Sie sind da.

In ihrer ganzen Art.

In ihrem ganzen Sein.

Womöglich erklärt das auch, weshalb ich Tiere häufig nicht vollständig male.

Ich möchte sie nicht beschreiben.

Nicht jede Feder zeigen.

Nicht jedes Haar.

Nicht jede Einzelheit festhalten.

Manchmal genügt ein Auge.

Eine Kopfhaltung.

Eine Bewegung.

Eine Andeutung.

Ich möchte nicht die ganze Geschichte erzählen.

Denn wir sind umgeben von diesen wunderbaren Wesen.

Und weil sie zu unserem Alltag gehören, nehmen wir sie oft kaum noch bewusst wahr.

Den Vogel im Garten.

Die Amsel am Wegrand.

Den Milan über dem Feld.

Die Biene zwischen den Blüten.

Das Reh zwischen den Bäumen.

Sie sind da.

Bis uns etwas für einen Augenblick innehalten lässt.

Ein Gesang.

Eine Bewegung.

Eine Farbe.

Ein Blick.

Und plötzlich sehen wir nicht einfach einen Vogel.

Wir sehen dieses eine Wesen.

Vielleicht ist es genau dieser Augenblick, den ich beim Malen suche.

Etwas von dieser Präsenz festhalten – und gleichzeitig genügend offenlassen, damit das Bild nicht nur meine Geschichte erzählt.

Vielleicht hörst Du beim Betrachten eines meiner Vögel einen Gesang, den ich nie gehört habe.

Vielleicht erinnert Dich ein Reh an einen frühen Morgen im Wald.

Vielleicht entdeckst Du in der Haltung eines Pferdes etwas ganz anderes als ich.

Dann ist etwas geschehen, das ich mit meinen Bildern gerne ermöglichen möchte.

Eine Begegnung.

Vielleicht gehen wir danach hinaus und schauen ein wenig genauer hin.

Auf all diese Wesen, mit denen wir diese Welt teilen.

Nicht, weil sie plötzlich aussergewöhnlicher geworden wären.

Sondern weil wir sie wieder wahrgenommen haben.

Vielleicht male ich deshalb immer wieder Tiere.

Nicht, um ihre ganze Geschichte zu erzählen.

Sondern sie für einen Augenblick sichtbar zu machen.

Einfach da.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Was mich lebendig macht

Sat, 19 Sep 2026 07:42:59 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Was mich lebendig macht

Manchmal ist es nur ein Blick.

Die leichte Neigung eines Vogelkopfes.

Ein Wassertropfen nach dem Regen.

Eine Haltung.

Das Licht auf einem Fell.

Etwas, das vermutlich genauso schnell wieder aus meiner Aufmerksamkeit verschwinden könnte, wie es aufgetaucht ist.

Und dann geschieht etwas.

Ich bleibe hängen.

Mein Blick kehrt zurück.

Ich möchte genauer hinsehen.

Entdecken.

Vielleicht verstehen.

Und irgendwann entsteht dieser Gedanke:

Das möchte ich malen.

Nicht unbedingt das Tier.

Nicht den Vogel.

Nicht den Wassertropfen.

Sondern das, was mich daran für diesen einen Augenblick festgehalten hat.

Vielleicht beginnt mein Malen genau dort.

Beim Unscheinbaren.

Bei etwas, an dem man genauso gut vorbeisehen könnte.

Vor einiger Zeit bin ich dem japanischen Begriff Ikigai begegnet.

Er wird häufig mit dem übersetzt, wofür es sich zu leben lohnt oder mit dem, was dem eigenen Leben Sinn gibt .

Natürlich begann ich darüber nachzudenken, was das für mich sein könnte.

Und ziemlich schnell stiess ich auf etwas, das mich schon mein ganzes Leben begleitet:

Neugier.

Ich möchte entdecken.

Lernen.

Ausprobieren.

Staunen.

Das Unbekannte zieht mich an.

Und wenn mich etwas wirklich interessiert, kann ich mich vollkommen darin verlieren.

Aber erst beim Nachdenken über mein Malen wurde mir bewusst, dass diese Neugier dort noch etwas anderes macht.

Sie lässt mich still werden.

Wenn ich male, zieht sie mich nicht zum nächsten Gedanken.

Sondern immer näher zu diesem einen.

Dann gibt es für eine Weile nur noch das Papier vor mir.

Wasser.

Pigmente.

Den Pinsel.

Ich beobachte, wie sich eine Farbe ausbreitet.

Warte, bis eine Lasur getrocknet ist.

Setze eine feine Linie.

Gehe zurück.

Schaue.

Warte wieder.

Manchmal vergehen Stunden, ohne dass ich sie wahrnehme.

Ich bin dann nicht auf der Suche nach dem nächsten interessanten Ding.

Ich bin ganz bei diesem einen.

Vielleicht ist genau das eine Seite meines Ikigai, die ich lange nicht gesehen habe.

Meine Neugier bringt mich zum Motiv.

Das Malen bringt mich in den Moment.

Und dort versuche ich, sichtbar zu machen, was mich ursprünglich hat innehalten lassen.

Deshalb muss ich auch nicht alles malen.

Vielleicht genügt bei einem Vogel der Blick.

Bei einem Pferd eine Haltung.

Eine Rückenlinie.

Ein einzelner Schritt.

Vielleicht braucht ein Bild nicht das ganze Motiv, um etwas davon zu erzählen, was ich darin gesehen habe.

Im Gegenteil.

Je länger ich male, desto stärker interessiert mich das, was übrig bleibt, wenn ich das Offensichtliche weglasse.

Was braucht es wirklich?

Welche Linie trägt?

Wo genügt eine Andeutung?

Und wo darf das Papier einfach Papier bleiben?

Vielleicht ist auch deshalb der Weissraum in meinen Aquarellen so wichtig geworden.

Er ist nicht das, was ich vergessen habe zu malen.

Er gehört zum Bild.

Er lässt dem einzelnen Blick, der Haltung, der kleinen Bewegung Raum.

Und vielleicht geschieht dort etwas, das mir besonders wichtig ist:

Aus etwas Alltäglichem wird für einen Moment etwas, das wir wieder sehen .

Ein Rotkehlchen ist ein Rotkehlchen.

Bis wir seinen Blick bemerken.

Ein Pferd ist ein Pferd.

Bis uns eine bestimmte Haltung festhält.

Ein Wassertropfen ist nur ein Wassertropfen.

Bis wir stehen bleiben.

Vielleicht ist das mein Ikigai im Malen.

Nicht möglichst viel von der Welt auf Papier zu bringen.

Sondern etwas aus ihr herauszugreifen und zu sagen:

Schau einmal.

Da ist etwas.

Etwas Kleines vielleicht.

Etwas, das schon die ganze Zeit da war.

Und genau darin geschieht beim Malen noch etwas, das ich besonders liebe.

Während ich versuche, diesen einen Augenblick sichtbar zu machen, verschwinde ich selbst ein wenig daraus.

Ich denke nicht darüber nach, was als Nächstes erledigt werden muss.

Nicht darüber, ob das Bild jemandem gefallen wird.

Nicht darüber, ob ich genug tue.

Ich male.

Ich schaue.

Ich entscheide.

Ich bin vollkommen da.

Vielleicht ist das der Grund, weshalb mir das Malen so viel zurückgibt.

Meine Neugier, die mich sonst immer wieder hinauszieht, bekommt dort eine Richtung.

Sie muss nicht überall gleichzeitig sein.

Sie darf bleiben.

Bei einem Blick.

Einer Linie.

Einer Spur von Farbe.

Und vielleicht ist es genau diese Verbindung, die mich daran so lebendig werden lässt:

Etwas entdecken, das mich innehalten lässt.

Mich ganz darauf einlassen.

Und daraus etwas entstehen lassen, das vielleicht auch einen anderen Menschen für einen Augenblick innehalten lässt.

Mein Ikigai ist deshalb vielleicht gar nicht einfach das Malen .

Es ist das, was darin geschieht.

Entdecken.

Innehalten.

Sichtbar machen.

Das Ungewöhnliche im Gewöhnlichen.

Das Besondere im Unscheinbaren.

Und immer wieder diese eine Frage:

Was gibt es hier zu sehen, wenn ich noch ein wenig genauer hinschaue?

Vielleicht beginnt genau dort jedes meiner Bilder.

Und vielleicht ist es genau das, was mich lebendig macht.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Trotz der Zweifel

Sat, 12 Sep 2026 07:08:22 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Trotz der Zweifel

Manchmal stehe ich vor einem Bild und denke:

Da ginge noch etwas.

Ein wenig mehr Farbe vielleicht.

Eine weitere Linie.

Noch etwas Tiefe.

Und genau dann beginnt für mich einer der manchmal schwierigsten Teile des Malens.

Aufzuhören.

Denn woher weiss ich, dass ein Bild fertig ist?

Es gibt keinen Moment, in dem das Papier sagt: Jetzt ist genug.

Ich muss entscheiden.

Ich trete zurück. Schaue. Gehe wieder näher heran. Vielleicht nehme ich den Pinsel nochmals in die Hand – und lege ihn wieder weg.

Und dann ist er da.

Der Zweifel.

Ist es wirklich fertig?

Ist es gut genug?

Hätte ich mehr daraus machen können?

Oder nehme ich ihm gerade das, was es ausmacht, wenn ich jetzt noch weiterarbeite?

Gerade bei meiner Art zu malen ist diese Frage immer wieder da.

Ich lasse vieles bewusst offen.

Nicht jede Feder wird ausgearbeitet. Nicht jede Linie zu Ende geführt. Nicht jede Fläche mit Farbe gefüllt.

Ich mag diese Reduktion.

Den Raum.

Das Ungesagte.

Und trotzdem gibt es Momente, in denen ich mich frage:

Ist das genug?

Manchmal geht der Zweifel noch weiter.

Dann geht es plötzlich nicht mehr um dieses eine Bild.

Sondern um mich.

Darf ich mich eigentlich Künstlerin nennen?

Was macht eine Künstlerin überhaupt aus?

Die Anzahl gemalter Bilder?

Ausstellungen?

Verkaufte Werke?

Eine Ausbildung?

Oder vielleicht einfach das Bedürfnis, immer wieder etwas sichtbar zu machen, für das Worte allein nicht genügen?

Ich kenne die Antwort nicht abschliessend.

Vielleicht brauche ich sie auch gar nicht.

Denn eines weiss ich inzwischen:

Ich male.

Ich suche.

Ich probiere aus.

Ich verwerfe.

Ich lerne.

Und ich entwickle meine eigene Bildsprache.

Auch das war und ist nicht frei von Zweifeln.

Mich für eine reduzierte, stille Art des Malens zu entscheiden, bedeutet gleichzeitig, andere Möglichkeiten nicht weiterzuverfolgen.

Und natürlich frage ich mich manchmal:

Ist das wirklich mein Weg?

Sollte ich mehr ausarbeiten?

Spektakulärer malen?

Etwas ganz anderes versuchen?

Vielleicht etwas, das leichter gefällt oder sich besser verkaufen lässt?

Diese Fragen gehören dazu.

Aber ebenso gehört dazu, irgendwann wieder vor einem meiner Bilder zu stehen und zu spüren:

Doch. Das bin ich.

Nicht jedes Bild gelingt mir.

Manche Idee funktioniert auf dem Papier nicht so, wie sie in meinem Kopf funktioniert hat.

Manchmal male ich weiter, obwohl ich besser aufgehört hätte.

Und manchmal muss ich ein Bild anschauen und sagen:

Nein.

Das ist es nicht geworden.

Auch das gehört zum Malen.

Vielleicht sogar mehr, als man von aussen sieht.

Denn die misslungenen Bilder hängen später nicht an einer Ausstellungswand.

Und trotzdem waren sie nicht umsonst.

Sie haben mir gezeigt, was nicht funktioniert.

Sie haben mich etwas ausprobieren lassen.

Manchmal haben sie mich sogar auf eine neue Spur gebracht.

Vielleicht ist deshalb nicht jedes gescheiterte Bild wirklich ein Scheitern.

Es ist ein Teil des Weges.

So wie der Zweifel.

Manche dieser Bilder bewahre ich trotzdem auf.

Nicht, weil ich sie irgendwann doch noch mögen muss.

Sondern weil auch sie mir zeigen, woher ich komme – und manchmal sogar, wohin ich nicht mehr zurückmöchte.

Ich glaube nicht, dass irgendwann der Tag kommt, an dem ich vor einem Bild stehe und vollkommen sicher bin.

Und - ich möchte das auch gar nicht.

Denn Zweifel bringen mich dazu, noch einmal hinzuschauen.

Genauer hinzusehen.

Zu hinterfragen.

Zu lernen.

Nur bestimmen dürfen sie den Weg nicht.

Vielleicht besteht die eigentliche Kunst deshalb gar nicht darin, den perfekten letzten Pinselstrich zu setzen.

Sondern darin, zu vertrauen.

Einem Bild zuzutrauen:

Du bist genug.

Ein anderes gehen zu lassen und zu sagen:

Aus dir habe ich gelernt.

Und bei meinem eigenen Weg immer wieder zu spüren:

Ich weiss nicht, wohin er mich noch führen wird. Doch ich anerkenne , dass er meiner ist.

Der Zweifel gehört dazu.

Zum Malen.

Zum Suchen.

Zum Entwickeln.

Entscheidend ist nicht das Ziel vor Augen zu haben, irgendwann zweifelsfrei zu sein.

Sondern zu lernen, wann ich dem Zweifel zuhören sollte – und wann ich ihm sagen darf:

Danke. Aber jetzt gehe ich weiter.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin Nicht lauter als die Welt

Sat, 05 Sep 2026 06:41:57 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - Nicht lauter als die Welt

Im Wald war es still.

Und gleichzeitig war es das überhaupt nicht.

Nach langer Zeit hatte es endlich wieder geregnet. Die Luft war frisch, das Grün wirkte satter, und überall hing noch Wasser in den Zweigen.

Die Vögel sangen ihre Lieder.

Von den Ästen fielen Tropfen.

Hier einer. Dort einer.

Jeder mit seinem eigenen kleinen Klang.

Ich blieb stehen und hörte.

Und dachte:

Vielleicht bedeutet Stille gar nicht, dass nichts zu hören ist.

Vielleicht bedeutet sie vielmehr, dass für einen Moment nichts an uns zieht.

Nichts wollte etwas von mir.

Kein Tropfen verlangte meine Aufmerksamkeit.

Kein Vogel wollte eine Reaktion.

Der Wald musste mir nichts erklären.

Alles war einfach da.

Und ich durfte es auch sein.

Diese Ruhe tat gut.

Sie verlangsamte mich.

Mein Blick blieb an einzelnen Dingen hängen. An einem Wassertropfen, der sich an einer Tannennadel gesammelt hatte. An einem alten, abgebrochenen Baumstamm am Wegrand. Am Licht, das zwischen den Bäumen auftauchte.

Dinge, an denen ich genauso gut hätte vorbeigehen können.

Vielleicht braucht es manchmal genau diese Stille, damit wir wieder neugierig werden.

Damit wir genauer hinschauen.

Und während ich weiterging, musste ich an Kunst denken.

Was kann Kunst eigentlich tun?

Sie kann laut sein.

Sie kann provozieren, aufrütteln, irritieren und Stellung beziehen.

Und das darf sie.

Meine eigene Kunst möchte etwas anderes.

Sie möchte nicht noch lauter sein als die Welt.

Vielleicht suche ich deshalb beim Malen so oft die Reduktion.

Den einzelnen Blick.

Eine feine Linie.

Eine Spur von Farbe.

Eine Fläche, die bewusst leer bleiben darf.

Nicht, weil dort nichts wäre.

Sondern weil dort Raum ist.

Raum für den Menschen, der davorsteht.

Ich möchte mit meinen Bildern nicht alles erzählen.

Nicht festlegen, was jemand darin sehen oder empfinden soll.

Vielleicht genügt es, eine Tür einen Spaltbreit zu öffnen.

Neugierig zu machen.

Zum Hinschauen einzuladen.

Und dann einen Schritt zurückzutreten.

Denn auch vor einem Bild muss nichts geschehen.

Wir müssen es nicht verstehen.

Wir müssen es nicht beurteilen.

Wir müssen keine Geschichte darin finden.

Wir dürfen einfach schauen.

Vielleicht bleiben wir nur einen Augenblick stehen.

Vielleicht entdecken wir etwas, das uns vertraut vorkommt.

Vielleicht taucht eine Erinnerung auf.

Eine Frage.

Ein Gefühl.

Oder einfach nur dieser eine Moment, in dem wir ein wenig langsamer werden.

Vielleicht ist auch das eine Form von Begegnung.

Mit einem Bild.

Mit einem Gedanken.

Oder für einen kurzen Augenblick mit uns selbst.

Ich glaube, deshalb mag ich die Vorstellung von Kunst als einem stillen Ort.

Nicht still im Sinne von lautlos.

Sondern so, wie der Wald für mich immer wieder still ist.

Voller Leben.

Voller kleiner Geschichten.

Und trotzdem ohne Forderung.

Vielleicht muss Kunst gar nichts Grosses tun.

Vielleicht genügt es, wenn sie für einen Augenblick einen Ort schafft, an dem ein Mensch langsamer wird.

Schaut.

Neugierig wird.

Und für einen Moment einfach da ist.

Nicht lauter als die Welt.

Vielleicht manchmal sogar ein wenig stiller.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

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Mit dem Blick einer Malerin - der Countdown läuft - noch fünf Wochen

Sat, 29 Aug 2026 08:27:37 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - noch fünf Wochen bis zum Ausstellungsstart

In fünf Wochen ist es so weit.

Am 3. Oktober dürfen meine Aquarelle in den Sternen Detligen einziehen.

Fünf Wochen.

Plötzlich klingt das gar nicht mehr nach besonders viel Zeit.

Und ich merke: Jetzt wird es konkret.

Die Bilder, die ich zeigen möchte, sind längst entstanden. Viele davon haben Wochen oder Monate in meinem Atelier verbracht. Ich habe sie gemalt, betrachtet, wieder weggelegt, gerahmt und irgendwann entschieden:

Du gehörst dazu.

Eigentlich könnte man meinen, damit sei der grösste Teil der Arbeit getan.

Aber eine Ausstellung entsteht nicht einfach dadurch, dass man Bilder an eine Wand hängt.

Jetzt beginnt ein ganz anderer Teil.

Ich schaue meine Arbeiten nicht mehr nur einzeln an.

Ich beginne, sie miteinander zu betrachten.

Welche Bilder dürfen sich begegnen?

Welche brauchen Abstand voneinander?

Wo entsteht eine Verbindung, obwohl zwei Arbeiten vielleicht zu ganz unterschiedlichen Zeiten entstanden sind?

Und wo braucht ein Bild einfach Raum für sich?

Plötzlich wird eine Wand zu einer Fläche, die gestaltet werden will.

Ich überlege, ordne, verschiebe.

Manches funktioniert in meinem Kopf wunderbar – und beim nächsten Blick denke ich: Nein. So nicht.

Dann beginnt alles noch einmal von vorne.

Ich mag diesen Prozess.

Vielleicht, weil er dem Malen gar nicht so unähnlich ist.

Auch dort entsteht nicht alles nach Plan. Ich probiere aus, trete zurück, schaue hin, verändere etwas und lasse manches bewusst stehen.

Nur dass diesmal nicht Pigmente und Wasser meine Gestaltungsmittel sind.

Es sind Bilder und Räume.

Nach und nach wird aus einzelnen Aquarellen etwas Gemeinsames.

STILLE BEGEGNUNGEN.

Und während ich plane, geschieht noch etwas anderes.

Die Bilder beginnen sich langsam von meinem Atelier zu lösen.

Noch stehen sie hier.

Vertraut zwischen Pinseln, Papier, Farben und all den Dingen, die zu meinem Arbeitsraum gehören.

Aber ich weiss, dass sie bald woanders hängen werden.

An Wänden, an denen Menschen vorbeigehen.

Menschen, die vielleicht stehen bleiben.

Die näher treten.

Die ein Bild nur kurz anschauen oder länger darin verweilen.

Vielleicht wird eines meiner Bilder jemanden berühren.

Vielleicht wird jemand darin etwas ganz anderes entdecken als ich.

Und vielleicht geht eines am Ende sogar mit einem Menschen nach Hause.

Auch das gehört für mich zu einer Ausstellung.

Irgendwann gebe ich meine Bilder ein Stück weit aus der Hand.

Was danach zwischen einem Bild und einem Menschen geschieht, kann ich nicht mehr bestimmen.

Und genau das gefällt mir.

Bis dahin liegen noch fünf Wochen vor mir.

Fünf Wochen zum Planen, Ordnen, Vorbereiten und vermutlich auch wieder Umdenken.

Noch ist die Ausstellung nicht fertig.

Aber sie hat begonnen.

Nicht erst am 3. Oktober, wenn die Bilder an den Wänden hängen.

Sondern jetzt.

Hier in meinem Atelier.

STILLE BEGEGNUNGEN nimmt Form an.

03. Oktober 2026 bis 29. März 2027

Restaurant Sternen, Detligen

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Wenn etwas zurückklingt

Sat, 22 Aug 2026 09:05:51 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Wenn etwas zurückklingt

Wenn ich male, bin ich zunächst allein mit meinem Bild.

Mit einer Idee.

Einem Gedanken.

Manchmal mit einer Stimmung, für die ich selbst noch gar keine Worte habe.

Irgendwann ist das Bild fertig.

Ich fotografiere es, zeige es, lasse es hinaus in die Welt.

Ähnlich ist es mit meinen Texten.

Seit einigen Wochen erscheint jeden Samstag mein Blog „Mit dem Blick einer Malerin“ .

Was als kleine Idee begann – Menschen ein Stück mit in mein Atelier und in meine Gedankenwelt zu nehmen –, hat inzwischen etwas ausgelöst, worüber ich mich sehr freue.

Es kommt etwas zurück.

Nachrichten.

Gedanken.

Persönliche Geschichten.

Menschen erzählen mir, dass sie auf den nächsten Blog warten.

Dass sie sich in meinen kleinen Ateliermomenten wiederfinden.

Dass ein Gedanke sie begleitet hat.

Manchmal bekomme ich sogar selbst gemalte Bilder geschickt.

Oder jemand erzählt mir, dass plötzlich wieder die Lust da ist, selbst einen Pinsel in die Hand zu nehmen und die eigene kreative Seite neu zu entdecken.

Wenn Inspiration weiterwandert… Bilder von Brigitte Hurni

Das berührt mich.

Nicht, weil jemand meine Bilder schön findet oder meine Texte gerne liest.

Natürlich freue ich mich auch darüber.

Aber da geschieht noch etwas anderes.

Etwas, das sich schwer greifen lässt.

Resonanz.

Für mich ist Kunst tatsächlich eine eigene Sprache.

Eine, für die wir uns nicht kennen müssen.

Wir müssen nicht dasselbe erlebt haben.

Nicht dasselbe denken.

Und schon gar nicht dasselbe in einem Bild sehen.

Ein Bild, ein Wort oder ein Gedanke kann genügen.

Etwas, das in einem Menschen entstanden ist, bringt in einem anderen etwas zum Klingen.

Und plötzlich entsteht Verbindung.

Ich glaube, genau das ist etwas, das ich an Kunst auch so sehr liebe.

Sie schafft einen Raum ausserhalb des Alltäglichen.

Vielleicht manchmal sogar ausserhalb des alltäglichen Wahnsinns.

Einen kleinen Zwischenraum, in dem für einen Moment nichts erledigt, gelöst oder erreicht werden muss.

Wir dürfen einfach schauen.

Lesen.

Fühlen.

Uns erinnern.

Oder selbst etwas entstehen lassen.

Und manchmal begegnen wir uns dort.

Nicht unbedingt persönlich.

Sondern auf einer anderen Ebene.

Wenn mir jemand schreibt, dass ein Text gutgetan hat, ein Bild etwas ausgelöst oder sogar die Lust geweckt hat, selbst wieder kreativ zu werden, freue ich mich sehr.

Denn dann ist aus etwas, das bei mir begonnen hat, woanders etwas Eigenes entstanden.

Und vielleicht ist Resonanz genau das.

Ich gebe etwas von mir in die Welt.

Es begegnet einem anderen Menschen.

Dort darf es etwas Eigenes auslösen.

Und manchmal kommt ein kleiner Klang davon zu mir zurück.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

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Mit dem Blick einer Malerin - Was Brüche erzählen

Sat, 15 Aug 2026 05:39:24 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Was Brüche erzählen

Es gibt Gedanken, denen begegnet man nicht zum ersten Mal.

Und dabei hat man plötzlich das Gefühl, sie schon sehr lange zu kennen.

So ging es mir, als ich auf den japanischen Begriff Kintsugi stiess.

Eine Kunstform, bei der zerbrochene Keramik mit Gold wieder zusammengesetzt wird.

Der Bruch wird dabei nicht verborgen.

Er bleibt sichtbar.

Und gerade dadurch erhält das Gefäss eine neue Würde.

Je mehr ich darüber las, desto vertrauter kam mir dieser Gedanke vor.

Nicht, weil ich bewusst mit der Kintsugi-Technik arbeite.

Sondern weil mich diese Haltung schon lange begleitet.

In einigen meiner Bilder finden sich feine goldene Linien.

Sie sind nicht entstanden, um Kintsugi darzustellen.

Und doch erzählen sie für mich heute etwas Ähnliches.

Dass das, was uns geprägt hat, nicht versteckt werden muss.

Auch wir tragen Brüche in uns.

Erfahrungen, die uns verändert haben.

Verluste.

Enttäuschungen.

Neuanfänge.

Momente, die Spuren hinterlassen haben.

Oft wünschen wir uns, diese Risse wären nie entstanden.

Wir möchten sie glätten.

Verbergen.

Ungeschehen machen.

Doch was wäre, wenn sie gar nicht gegen uns sprechen?

Was wäre, wenn sie erzählen würden, dass wir gelebt haben?

Dass wir gefallen und wieder aufgestanden sind.

Dass wir durch etwas hindurchgegangen sind.

Als ich Kintsugi entdeckte, hatte ich das Gefühl, einer Haltung zu begegnen, die in meinen Bildern ihren Platz gefunden hatte.

Nicht als Technik.

Sondern als Gedanke.

Ein Gedanke, der mich daran erinnert, mit mehr Milde auf das zu schauen, was das Leben in uns hinterlassen hat.

Ein Bruch macht nichts und niemanden wertlos.

Er wird Teil unserer Geschichte.

Und manchmal ist er sogar der Ort, an dem etwas Neues beginnt.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Schönheit.

Die Schönheit dessen, was durch das Leben hindurchgegangen ist.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Wie ein Bild zu seinem Namen kommt

Sat, 08 Aug 2026 07:47:24 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Wie ein Bild zu seinem Namen kommt

Es gibt einen Moment beim Malen, den sieht niemand.

Das Bild ist fertig.

Die Farben sind getrocknet.

Der letzte Pinselstrich ist gesetzt.

Und trotzdem ist es noch nicht bereit, das Atelier zu verlassen.

Denn ihm fehlt noch etwas.

Sein Name.

Manche Bildtitel sind plötzlich da.

Fast so, als hätten sie während des Malens geduldig gewartet.

Ich lege den Pinsel weg, schaue das fertige Bild an – und der Titel ist klar.

Als hätte das Bild ihn selbst mitgebracht.

Bei anderen ist es anders.

Sie bleiben eine Weile namenlos.

Nicht, weil mir nichts einfällt.

Sondern weil sich noch nichts richtig anfühlt.

Dann darf ein Bild auch einfach einmal im Atelier stehen.

Ich gehe daran vorbei.

Bleibe stehen.

Schaue es an.

Manchmal über Tage.

Manchmal sogar über Wochen.

Ich probiere Worte aus.

Verwerfe sie wieder.

Denn ich suche keinen möglichst schönen Titel.

Ich suche den einen, der zum Bild gehört.

Für mich erklärt ein guter Bildtitel ein Bild nicht.

Er begleitet es.

Er trägt es ein Stück weiter, ohne ihm den Weg vorzuschreiben.

Mit dem Titel möchte ich die Geschichte des Bildes erzählen.

Oder sie wenigstens sanft anstupsen.

Vielleicht kennst du einige meiner Bildtitel.

Zwischen den Linien.

Weggefährten.

Vom Klang getragen.

Nur ein Augenblick.

Sie beschreiben nicht einfach, was zu sehen ist.

Sie öffnen einen kleinen Raum.

Einen Gedanken.

Ein Gefühl.

Etwas, das zwischen Bild und Betrachter entstehen darf.

Deshalb bekommen meine Bilder ihren Titel nicht zwischen Tür und Angel.

Ich warte lieber etwas länger.

Denn:

Ein Bild trägt seinen Namen ein Leben lang.

Und deshalb bekommt bei mir ein Bild auch erst dann seinen Rahmen, wenn es seinen Namen gefunden hat.

Erst wenn beides zusammengehört, darf es seinen Weg hinaus in die Welt antreten.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - ein Zeichen setzen

Sun, 02 Aug 2026 13:30:24 GMT

Mit dem Blick einer Malerin - ein Zeichen setzen

Wenn ich ein neues Aquarell fotografiere, kommt ganz zum Schluss noch ein kleiner Schritt.

Ich füge mein Wasserzeichen ein.

Es ist dezent.

Es soll das Bild nicht überdecken.

Und doch soll es bewusst sichtbar sein.

Lange habe ich meine Bilder ohne Wasserzeichen veröffentlicht.

Ich wollte, dass sie für sich sprechen.

Dass nichts den Blick auf das Wesentliche lenkt.

Mit der Zeit wurde mir jedoch etwas anderes bewusst.

Wer ein Bild öffentlich zeigt, gibt einen Teil von sich nach draussen.

Es kann betrachtet werden.

Es kann berühren.

Es kann inspirieren.

Und manchmal wird es auch weiterverwendet.

Eigentlich ist das sogar ein Kompliment.

Denn wenn ein Bild geteilt oder übernommen wird, hat es offenbar etwas ausgelöst.

Und doch bleibt da ein Gedanke.

Hinter jedem Bild steht ein Mensch.

Jemand, der sich Zeit genommen hat.

Der ein Motiv gesucht hat.

Der ausprobiert, verworfen und neu begonnen hat.

Der Stunden mit Papier, Wasser und Farbe verbracht hat.

Der gezweifelt und sich gefreut hat.

Ein Bild entsteht nicht einfach.

Es wächst.

Genau deshalb möchte ich mit meinem Wasserzeichen im wahrsten Sinne des Wortes ein Zeichen setzen .

Nicht laut.

Nicht als Warnung.

Nicht aus Misstrauen.

Sondern aus Wertschätzung.

Für den Weg, den ein Bild hinter sich hat.

Und für die Arbeit, die darin steckt.

Wenn ich meine Bilder öffentlich zeige, dann wünsche ich mir, dass sie ihren Weg gehen dürfen.

Dass sie Menschen berühren.

Vielleicht sogar Freude schenken.

Und vielleicht findet eines davon irgendwann ein neues Zuhause.

Dann soll es auch als das gesehen werden, was es ist.

Ein Original.

Ein Werk, das meine Handschrift trägt.

Vielleicht schützt ein Wasserzeichen ein Bild nicht wirklich.

Aber es erinnert an etwas, das mir wichtig ist.

Dass hinter jedem Werk ein Mensch steht.

Und dass jede kreative Arbeit Respekt verdient.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Einem Bild ein Zuhause für seinen ersten Weg geben

Sat, 25 Jul 2026 11:53:57 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Einem Bild ein Zuhause für seinen ersten Weg geben

Wenn ein Bild mein Atelier verlässt, beginnt seine Reise.

Es ist jemandem begegnen, der darin etwas entdeckt, das ich vielleicht nie gesehen habe.

Genau dieses Gefühl beschäftigt mich schon seit einiger Zeit.

Nicht nur das Bild selbst.

Auch der Moment, in dem ich es überreiche.

Ich war lange auf der Suche nach der passenden Verpackung.

Sie sollte schlicht sein.

Natürlich.

Nicht bunt.

Nicht aufdringlich.

Nicht glänzend.

Sie sollte zu meinen Bildern passen.

Lange dachte ich an Kraftpapier.

Es fühlte sich stimmig an – und doch blieb da dieses kleine Gefühl, das mich immer wieder innehalten liess.

Noch nicht.

Manchmal lässt sich schwer erklären, weshalb etwas nicht passt.

Es ist kein Gedanke.

Es ist dieses eine Gefühl.

Dann stiess ich auf Leinen.

Eine einfache Tasche mit einer Kordel.

Ganz ruhig.

Natürlich.

Fast selbstverständlich.

Und plötzlich war klar: das ist es.

Nicht, weil die Tasche besonders ausgefallen wäre.

Sondern weil sie nichts sein wollte, was sie nicht ist.

Sie drängt sich nicht in den Vordergrund.

Sie umhüllt.

Sie schützt.

Sie begleitet.

Genau wie ich es mir für meine Bilder wünsche.

Vielleicht werde ich die Kordel gar nicht zubinden.

Ich weiss es noch nicht.

Denn auch das Öffnen darf leicht sein.

Fast so, als würde das Bild dem Menschen, der es in Empfang nimmt, zum ersten Mal begegnen.

Gerade auch dieser letzte Handgriff gehört noch mit zum Bild.

Nicht mit Farbe.

Nicht mit Papier.

Sondern mit Wertschätzung und Dankbarkeit.

Denn wenn jemand eines meiner Bilder mit nach Hause nimmt, soll nicht nur das Bild Freude bereiten.

Schon der erste Moment darf sich gut anfühlen.

Das Berühren.

Das Herausnehmen.

Das erste Anschauen.

Vielleicht beginnt die eigentliche Geschichte eines Bildes genau dort.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Wortspuren

Sat, 18 Jul 2026 06:59:04 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Wortspuren

Manchmal braucht es kein grosses Bild.

Manchmal genügt ein einziges Wort.

Vor einiger Zeit begann ich, kleine Karten im Format 9 × 9 Zentimeter zu gestalten. Ein paar Blumen. Ein Vogel. Eine einfache Landschaft. Nichts Grosses. Nichts, das viele Stunden Arbeit verlangte.

Einfach kleine Momente auf Papier.

Lange wusste ich nicht, was ihnen noch fehlte.

Bis irgendwann ein einziges Wort dazu kam.

Nicht als Erklärung.

Nicht als Titel.

Sondern als leise Begleitung.

Ankommen.

Weite.

Vertrauen.

Leichtigkeit.

Plötzlich war da etwas Neues entstanden.

Nicht das Bild erzählte dem Wort seine Geschichte.

Und auch nicht das Wort erklärte das Bild.

Beide lassen Raum.

Raum für eigene Gedanken.

Raum für Erinnerungen.

Raum für das, was jeder Mensch selbst darin entdecken möchte.

Vielleicht berühren mich diese kleinen Karten gerade deshalb so sehr.

Sie möchten nichts beweisen.

Sie möchten niemanden überzeugen.

Sie erinnern nur daran, dass manchmal ein einziges Wort genügt, um etwas in Bewegung zu bringen.

Als Beraterin erlebe ich immer wieder, wie ein Satz einen Menschen verändern kann.

Als Malerin erlebe ich immer wieder, dass manchmal sogar ein einziges Wort reicht.

Vielleicht ist das der Grund, weshalb ich sie Wortspuren nenne.

Eine Spur drängt sich nicht auf.

Sie zeigt nur, dass jemand diesen Weg einmal gegangen ist.

Und vielleicht begegnet genau diese Spur einem anderen Menschen zur richtigen Zeit.

Mehr braucht es manchmal nicht.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Wenn ein Bild das Atelier verlässt

Thu, 09 Jul 2026 12:04:24 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Wenn ein Bild das Atelier verlässt

Die Vorbereitungen für meine Ausstellung im Sternen Detligen ab dem 03.10.2026 laufen.

Nach und nach füllt sich mein Atelier mit gerahmten Bildern. Doch bevor sie an einer Wand hängen und betrachtet werden können, gibt es einen Moment, den kaum jemand sieht.

Ich hole die grossen Rahmen im Fachhandel ab.

Ich lade sie sorgfältig ins Auto.

Fahre nach Hause.

Trage sie ins Atelier.

Dort stehen sie zuerst einfach da.

Leer.

Und genau dort beginnt für mich ein ganz besonderer Teil meiner Arbeit.

Von Hand reisse ich schmale Streifen aus Japanpapier.

Schneide den Rückwandkarton von Hand zu.

Markiere die genaue Position des Bildes.

Dann lege ich alles wieder zur Seite.

Ich mache eine Pause.

Denn das Einrahmen ist für mich kein Arbeitsschritt, den ich möglichst schnell erledigen möchte.

Es ist ein stiller Vorgang.

Ein achtsamer.

Ich befestige jedes Aquarell in einer Float-Mount-Hängung. Nicht nur, weil diese Technik das Papier schützt. Sondern auch, weil der feine Büttenrand sichtbar bleiben darf. Er gehört für mich zum Bild – genauso wie die Farbe oder die Linie.

Es gibt keinen Zeitdruck.

Nur Ruhe.

Und das Gefühl, einem Bild den letzten Schliff zu geben.

Zum Schluss bringe ich auf der Rückseite mein Siegel an.

Daneben mein Kürzel.

Es sind kleine Handgriffe.

Und doch bedeuten sie mir viel.

In diesem Moment wird mir bewusst, dass das Bild bald mein Atelier verlassen wird.

Vielleicht ist das Einrahmen der stillste Teil des Malens.

Nicht, weil dabei nichts geschieht.

Sondern weil aus einem Werk, das mich über Tage oder Wochen begleitet hat, langsam etwas Eigenständiges wird.

Es beginnt seine Reise.

Und ich darf es loslassen.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Mit dem Blick einer Malerin - Mein Notizbuch

Sat, 04 Jul 2026 10:41:58 GMT

Mit dem Blick einer Malerin

Mein Notizbuch

Es liegt fast immer in meiner Nähe.

Nicht besonders gross. Kein edles Leder. Keine kunstvoll gestalteten Seiten.

Ein ganz gewöhnliches Notizbuch.

Dort beginnt nichts Bestimmtes. Manchmal bleibt es bei einem einzigen Satz. Manchmal wird daraus Monate später ein Bild. Manchmal eine Fotografie. Und manchmal bleibt der Gedanke einfach dort – weil er keinen anderen Ort braucht als diese eine Seite.

Ich schreibe vieles hinein.

Worte.

Halbe Sätze.

Farben.

Bildtitel.

Ideen für neue Serien.

Gedanken aus Gesprächen.

Etwas, das ich auf einer Wanderung gesehen habe.

Oder einen Moment, den ich später vielleicht längst vergessen hätte.

Oft weiss ich in diesem Augenblick noch gar nicht, weshalb ich etwas notiere.

Ich weiss nur, dass ich es festhalten möchte.

Mit einem Gedanken.

Mit einem Satz.

Mit einer Beobachtung.

Mit einer Frage, die mich plötzlich nicht mehr loslässt.

Die rosa Haftstreifen helfen mir, den Überblick zu behalten. Sie markieren keine fertigen Kapitel. Sie erinnern mich daran, dass manche Gedanken wiedergefunden werden möchten.

Wenn ich heute durch dieses Buch blättere, sehe ich keine Ordnung.

Ich sehe Spuren.

Manche Notizen bleiben genau das – eine kurze Beobachtung.

Andere begleiten mich über Wochen. Sie verändern sich. Wachsen. Bekommen neue Bedeutung.

Und irgendwann stehen sie plötzlich vor mir.

Nicht mehr als Satz.

Sondern als Bild.

Das ist ein der Teil meiner Arbeit, den kaum jemand sieht.

Ein Aquarell entsteht nicht erst im Atelier.

Es beginnt lange vorher.

In einem Augenblick, der mich innehalten lässt.

In einer Frage.

Oder in einem kleinen Notizbuch, das geduldig darauf wartet, wieder aufgeschlagen zu werden.

Vielleicht ist das der eigentliche Grund, weshalb ich es so gerne bei mir habe.

Es trägt einen Teil von mir in sich.

Ab dieser Woche nehme ich dich jeden Samstag ein Stück mit auf diesen Weg.

Nicht nur zu den fertigen Bildern.

Sondern dorthin, wo sie ihren Anfang nehmen.

Bis nächsten Samstag – mit dem Blick einer Malerin.

Atelier-Momente - Loslassen

Sat, 27 Jun 2026 10:09:41 GMT

Atelier-Momente - Loslassen

Es gibt diesen einen Moment im Atelier.

Der Pinsel liegt still. Das Wasser im Glas hat sich beruhigt. Die Farben trocknen langsam auf dem Papier. Und ich stehe einfach nur da.

Das Bild ist fertig.

Oder vielleicht besser gesagt: Es ist an dem Punkt angekommen, an dem es nichts mehr von mir verlangt.

Früher fiel mir dieser Moment schwer. Ich wollte noch etwas verbessern. Noch eine Linie setzen. Noch etwas Farbe hinzufügen. Als könnte ich dadurch mehr Vollkommenheit erreichen.

Heute weiss ich, dass genau darin oft die grösste Gefahr liegt.

Ein Bild lebt von seinen Entscheidungen. Von seinen offenen Flächen. Von seiner Stille. Von dem Mut, etwas nicht mehr anzufassen.

Loslassen bedeutet deshalb nicht, aufzugeben.

Loslassen bedeutet Vertrauen.

Vertrauen darauf, dass das Bild nun für sich selbst sprechen darf. Dass es seine eigene Geschichte erzählt – unabhängig davon, was ich ursprünglich ausdrücken wollte.

Manchmal entdecke ich erst Wochen später etwas darin, das mir während des Malens gar nicht bewusst war. Dann wird mir einmal mehr klar: Ein Werk gehört nie ganz seiner Künstlerin. Es beginnt irgendwann ein Eigenleben.

Vielleicht ist das im Leben gar nicht anders.

Wir begleiten Menschen ein Stück ihres Weges. Wir verwirklichen Ideen. Wir investieren Zeit, Herzblut und Kraft. Doch irgendwann kommt der Moment, an dem wir aufhören müssen, festzuhalten.

Nicht weil es vorbei ist.

Sondern weil etwas weitergehen darf.

Auch meine Bilder verlassen irgendwann das Atelier. Sie finden ein neues Zuhause. Sie begegnen Menschen, die ich vielleicht nie kennenlernen werde. Von diesem Moment an erzählen sie ihre Geschichte ohne mich.

Und genau das ist schön.

Am Ende bleibt nicht das Tun.

Sondern das Loslassen.

Nicht als Abschluss.

Sondern als Anfang von etwas Neuem.

Welche Erfahrungen hast du mit dem Loslassen gemacht? Vielleicht gibt es auch in deinem Leben etwas, das nicht mehr festgehalten werden muss, sondern einfach seinen eigenen Weg gehen darf.

Atelier-Momente: Vom Wert des Zweifelns

Sun, 21 Jun 2026 12:35:04 GMT

Atelier-Momente: Vom Wert des Zweifelns

Zweifel gehört dazu.

Vielleicht sogar mehr, als wir gerne zugeben.

Wer kreativ arbeitet, kennt diese Momente: Ein Bild entsteht, ein Text wächst, eine Idee nimmt Form an – und plötzlich taucht sie auf, diese leise Stimme:

Trägt das?
Ist das stimmig?
Bin ich auf dem richtigen Weg?

Früher habe ich solche Fragen als Störung erlebt. Sie haben mich verunsichert, gebremst und manchmal sogar davon abgehalten, einen nächsten Schritt zu gehen. Ich glaubte, Zweifel sei ein Zeichen dafür, dass etwas nicht stimmt.

Heute sehe ich das anders.

Zweifel kann ein wertvoller Begleiter sein. Er fordert mich auf, genauer hinzuschauen. Er hilft mir, genauer wahrzunehmen, was wirklich wesentlich ist. Er schärft den Blick für Nuancen, für Stimmigkeit und für das, was noch wachsen darf.

Problematisch wird Zweifel erst dann, wenn er die Führung übernimmt. Wenn aus einer Frage ein Urteil wird. Wenn aus einer Unsicherheit Stillstand entsteht.

Im Atelier habe ich gelernt, dass nicht jede Frage sofort beantwortet werden muss. Manche Bilder brauchen Zeit. Manche Entscheidungen reifen erst, wenn ich ihnen Raum gebe. Und manche Zweifel lösen sich nicht auf – sie begleiten den Prozess einfach ein Stück weit.

Vielleicht gilt das nicht nur für die Kunst.

Auch im Leben müssen wir nicht jede Unsicherheit sofort beseitigen. Nicht jede Frage verlangt nach einer schnellen Antwort. Manchmal genügt es, wahrzunehmen, dass sie da ist.

Und dann trotzdem weiterzugehen.

Nicht trotz des Zweifels.

Sondern gemeinsam mit ihm.

Atelier-Momente - zwischen Finden und Suchen

Sat, 13 Jun 2026 11:38:10 GMT

Atelier-Momente - zwischen Finden und Suchen

Wer mein Atelier betritt, sieht Farben, Pinsel, Papier, angefangene Werke und fertige Bilder. Was man nicht sieht, ist der eigentliche Entstehungsprozess.

Kunst entsteht bei mir selten geradlinig.

Manchmal ist da sofort eine klare Vorstellung. Ein Motiv zeigt sich deutlich, ein Bild entwickelt sich fast wie von selbst. Die Farben finden ihren Platz, die Formen fügen sich zusammen und alles scheint mühelos zu fliessen.

Und dann gibt es die anderen Tage.

Tage, an denen ich suche. An denen ich eine Linie wieder verwerfe, einen Farbton übermale oder ein Bild für eine Weile zur Seite stelle. Nicht weil etwas falsch wäre, sondern weil es noch nicht bereit ist.

Früher dachte ich oft, Kreativität müsse zielgerichtet sein. Heute weiss ich: Viele wichtige Schritte geschehen gerade in den Phasen des Nichtwissens und des Zweifelns.

Im Atelier habe ich gelernt, diesem Prozess zu vertrauen.

Ein Bild darf Fragen stellen, bevor es Antworten gibt. Es darf Umwege nehmen. Es darf wachsen, sich verändern und manchmal sogar eine ganz andere Richtung einschlagen als ursprünglich gedacht.

Malen bedeutet für mich deshalb nicht, einen Plan möglichst effizient umzusetzen.

Malen bedeutet, präsent zu bleiben.

Immer wieder hinzuschauen.
Immer wieder neu zu beginnen.
Immer wieder offen zu sein für das, was entstehen möchte.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Arbeit:

Dranzubleiben, ohne festzuhalten.

Dem Prozess zu dienen, ohne ihn kontrollieren zu wollen.

Und manchmal entsteht gerade dort, wo ich das Ergebnis loslasse, etwas, das tiefer und wahrhaftiger ist, als ich es hätte planen können.

Herzlichst
Barbara

Atelier-Momente

Sun, 07 Jun 2026 08:52:21 GMT

Atelier-Momente – Ankommen

Wenn ich die Tür zu meinem Atelier öffne, verändert sich etwas.

Es ist kein spektakulärer Moment. Kein Feuerwerk der Inspiration. Kein plötzlicher Geistesblitz.

Eher ein leiser Übergang.

Draussen wartet der Alltag mit seinen Anforderungen, Terminen, Gesprächen und Aufgaben. Da sind Gedanken, die noch nachhallen. Fragen, die noch keine Antwort gefunden haben. Manchmal auch Sorgen, die sich ungefragt bemerkbar machen.

Und dann trete ich über die Schwelle meines Ateliers.

Nicht alles fällt sofort von mir ab. Doch etwas beginnt sich zu verändern.

Die Geräusche werden leiser.

Der Atem tiefer.

Die Gedanken verlieren ein wenig von ihrer Dringlichkeit.

Ich muss nichts entscheiden.

Nichts erklären.

Nichts beweisen.

Ich komme nicht hierher, um etwas zu leisten.

Ich komme, um da zu sein.

Vielleicht ist genau das einer der grössten Irrtümer unserer Zeit: Dass alles einen Zweck erfüllen muss. Dass jede Stunde produktiv genutzt werden soll. Dass Kreativität ein Ergebnis liefern muss.

Doch die wertvollsten Momente entstehen oft nicht aus Druck.

Sie entstehen aus Präsenz.

Aus dem einfachen Dasein.

Manchmal sitze ich zunächst einfach nur da. Ich betrachte Bilder, die an der Wand hängen. Schaue auf einen Pinsel, auf ein Blatt Papier, auf ein angefangenes Werk. Vielleicht trinke ich einen Tee. Vielleicht räuchere ich ein wenig. Vielleicht geschieht eine Weile gar nichts.

Und genau in diesem scheinbaren Nichts beginnt oft etwas zu wachsen.

Nicht sichtbar.

Nicht messbar.

Aber spürbar.

Ein Gedanke taucht auf. Eine Farbe ruft nach mir. Ein Bild beginnt sich zu zeigen.

Nicht, weil ich es erzwinge, sondern weil ich ihm Raum gebe.

Ich glaube, Kreativität braucht solche Räume.

Räume, in denen nicht bewertet wird.

Räume, in denen Fehler erlaubt sind.

Räume, in denen wir nicht funktionieren müssen.

Mein Atelier ist für mich ein solcher Ort geworden. Nicht nur ein Arbeitsraum. Nicht nur ein Platz zum Malen.

Es ist ein Ort des Ankommens.

Ein Ort, an dem ich mich selbst wieder höre.

Und vielleicht ist das der eigentliche Beginn jedes kreativen Prozesses:

Nicht die Idee.

Nicht die Technik.

Nicht das fertige Bild.

Sondern der Moment, in dem wir aufhören zu hetzen und beginnen, wirklich da zu sein.

Denn manchmal beginnt Kreativität genau dort,

wo man einfach ankommt.

—

Wie ist das bei Dir? Gibt es einen Ort, an dem Du ankommen kannst – einen Ort, an dem der Alltag für einen Moment leiser wird?

Ich freue mich auf Deine Gedanken in den Kommentaren. ��✨

Zwischen Linie und Leere – Das Stehenlassen

Sat, 30 May 2026 11:16:45 GMT

Zwischen Linie und Leere - das Stehenlassen

Ein Bild ist irgendwann fertig.

Oder vielleicht genauer:

Es kommt der Moment, in dem ich aufhöre, daran weiterzuarbeiten.

Dieser Moment ist nicht eindeutig.

Er kündigt sich nicht klar an.

Es gibt keinen Punkt, an dem das Bild sagt:

„Jetzt bin ich vollständig.“

Stattdessen ist da ein Gefühl.

Leise.

Zurückhaltend.

Und doch eindeutig, wenn ich bereit bin, ihm zu vertrauen.

Der schwierigste Teil eines Bildes ist oft nicht das Beginnen.

Und auch nicht das Weitergehen.

Sondern das Aufhören.

Wann ist genug?

Wann trägt es?

Wann hat ein Bild das erreicht, was es braucht –

nicht mehr und nicht weniger?

Früher habe ich oft weitergemalt.

Aus dem Wunsch heraus, es noch besser zu machen.

Noch klarer.

Noch vollständiger.

Und genau dabei habe ich manchmal das verloren,

was das Bild ursprünglich getragen hat.

Heute arbeite ich anders.

Ich höre genauer hin.

Nicht auf das, was noch möglich wäre.

Sondern auf das, was bereits da ist.

Ein Bild braucht nicht alles.

Es braucht nicht jede Linie.

Nicht jede Ausarbeitung.

Nicht jede Erklärung.

Manches ist schon vollständig,

lange bevor es „fertig“ wirkt.

Das Stehenlassen ist eine Form von Vertrauen.

In das Bild.

Und in den eigenen Blick.

Es bedeutet, nicht alles auszureizen.

Nicht jede Möglichkeit zu nutzen.

Nicht jedes Detail auszubauen.

Sondern zu erkennen,

wann etwas in sich stimmig ist.

Manchmal lege ich die Pinsel weg

und schaue das Bild einfach an.

Ich warte.

Und wenn ich nichts mehr hinzufügen möchte –

nicht aus Unsicherheit,

sondern aus Ruhe –

dann weiss ich:

Es darf so bleiben.

Ein Bild endet nicht mit dem letzten Pinselstrich.

Es endet mit der Entscheidung,

es stehen zu lassen.

Und genau darin liegt eine stille Kraft.

✨ Leiser Impuls

Wo in deinem Leben ist vielleicht schon genug?

Und was würde passieren,

wenn du es einfach so stehen lassen würdest?

Zwischen Linie und Leere - der erste Strich

Sat, 23 May 2026 12:49:04 GMT

Zwischen Linie und Leere - der erste Strich

Es gibt diesen Moment, bevor ein Bild beginnt.

Das Papier liegt vor mir. Still. Offen.

Unberührt.

Und in diesem Zustand trägt es bereits alles in sich –

und gleichzeitig noch nichts.

Ich sitze davor und spüre diesen Zwischenraum.

Zwischen Idee und Handlung.

Zwischen Vorstellung und Wirklichkeit.

Alles wäre möglich.

Und genau das macht es manchmal so still.

Der erste Strich ist kein technischer Schritt.

Er ist auch kein Anfang im klassischen Sinn.

Er ist eine Entscheidung.

Nicht für ein Motiv.

Nicht für eine bestimmte Form oder Farbe.

Sondern für ein Einlassen.

Ein Schritt aus dem Denken heraus – hinein in einen Prozess,

der sich nicht mehr vollständig planen lässt.

Oft ist da ein Zögern.

Ein kurzes Innehalten.

Ein inneres Abwägen, das sich kaum in Worte fassen lässt.

Es ist nicht Unsicherheit im Sinne von „ich kann das nicht“.

Es ist eher ein Respekt vor dem, was entstehen könnte.

Denn mit dem ersten Strich passiert etwas Entscheidendes:

Die Vorstellung verliert ihre Freiheit.

Sie wird konkret.

Sie wird sichtbar.

Und damit auch verletzbar.

Solange ein Bild nur in mir existiert, ist es offen.

Unbegrenzt.

Nicht festgelegt.

Mit dem ersten Strich beginne ich, mich festzulegen.

Ich treffe eine Wahl.

Und jede weitere Linie baut darauf auf.

Früher wollte ich diesen Moment kontrollieren.

Ich wollte wissen, wohin das Bild führt,

bevor ich beginne.

Heute weiss ich:

Genau darin liegt die eigentliche Bewegung nicht.

Ein Bild entsteht nicht, weil ich es im Voraus kenne.

Sondern weil ich bereit bin, mich darauf einzulassen,

dass ich es noch nicht kenne.

Mit dem ersten Strich verlasse ich die Sicherheit der Vorstellung.

Ich trete in einen Raum ein,

in dem sich etwas entwickelt – Schritt für Schritt.

Manches entsteht leicht.

Manches widersteht.

Manches überrascht.

Und genau darin liegt die Lebendigkeit.

Der erste Strich ist leise.

Und doch trägt er alles.

Er ist kein spektakulärer Moment.

Kein sichtbarer Durchbruch.

Aber er verändert alles, was danach kommt.

Vielleicht ist genau das der Anfang von allem:

nicht zu wissen, wohin es führt –

und trotzdem zu beginnen.

✨ Leiser Impuls

Wenn du magst, halte kurz inne:

Wo in deinem Leben stehst du gerade vor diesem ersten Strich?

Zwischen Linie und Leere – Das Weglassen

Sat, 16 May 2026 07:13:46 GMT

Zwischen Linie und Leere - Das Weglassen

Nicht alles, was möglich wäre, gehört ins Bild.

Das klingt einfach.

Und ist doch einer der schwierigsten Schritte im ganzen Prozess.

Wenn ein Bild entsteht, öffnet sich ein Raum.

Mit jeder Linie, jeder Farbe, jeder Form

entstehen neue Möglichkeiten.

Etwas hinzufügen ist leicht.

Es gibt immer noch eine weitere Idee,

eine zusätzliche Nuance,

ein Detail, das augesarbeiten werden könnte.

Und genau darin liegt die Herausforderung:

Zu erkennen, wann etwas nicht mehr gebraucht wird.

Früher habe ich versucht, ein Bild zu „vollenden“.

Ich wollte es erklären.

Ich wollte, dass alles sichtbar ist.

Heute arbeite ich anders.

Ich lasse bewusst Dinge weg.

Nicht, weil sie nicht da sind.

Sondern weil sie nicht notwendig sind.

Das Weglassen ist kein Verzicht.

Es ist eine Entscheidung für Klarheit.

Es bedeutet, dem Bild zu vertrauen.

Und dem, was bereits da ist.

In meinen Arbeiten bleibt oft viel offen.

Weissräume.

Ungemalte Flächen.

Andeutungen statt Ausformulierungen.

Diese Räume sind nicht leer.

Sie sind Teil des Bildes.

Sie geben dem Auge die Möglichkeit, sich zu bewegen.

Dem Betrachter die Freiheit, zu ergänzen.

Und dem Bild die Ruhe, die es braucht.

Das Weglassen verändert auch meine Rolle.

Ich gestalte nicht mehr alles.

Ich lasse entstehen.

Manchmal bedeutet das auch,

einen Schritt zurückzugehen.

Eine Linie nicht zu setzen.

Eine Fläche nicht zu schliessen.

Ein Detail nicht auszuarbeiten.

Es braucht Vertrauen, so zu arbeiten.

Denn ein reduziertes Bild kann schnell zu wenig wirken.

Oder zu offen.

Oder unfertig.

Und doch liegt genau darin seine Kraft.

Ein Bild muss nicht alles zeigen,

um etwas auszulösen.

Oft geschieht das Gegenteil:

Je weniger festgelegt ist,

desto mehr kann sich entfalten.

Das Weglassen schafft Raum.

Für das Bild.

Und für den, der es betrachtet.

Vielleicht ist Reduktion nicht das Weniger,

sondern das Wesentliche.

✨ Leiser Impuls

Was in deinem Leben darf gerade weniger werden?

Und was könnte entstehen,

wenn nicht alles gefüllt sein muss?

Zwischen Linie und Leere - das Zögern

Sat, 09 May 2026 10:51:45 GMT

Zwischen Linie und Leere - das Zögern

Nicht jedes Bild fliesst.

Manche beginnen – und bleiben dann stehen.

Nicht sichtbar. Nicht laut.

Aber spürbar.

Da ist etwas angelegt.

Eine Linie, ein Ansatz, eine Richtung.

Und dann… passiert nichts.

Früher habe ich diese Momente als Störung erlebt.

Als Unterbruch.

Als Zeichen, dass etwas nicht stimmt.

Ich wollte weiter.

Vorwärts.

Zum nächsten Schritt.

Heute weiss ich:

Das Zögern gehört dazu.

Es ist kein Stillstand.

Es ist ein Raum.

Ein Zwischenraum, in dem sich etwas sortiert,

ohne dass ich aktiv eingreife.

Ein Moment, in dem das Bild noch nicht bereit ist,

weitergeführt zu werden.

Ich habe gelernt, diese Phasen auszuhalten.

Nicht sofort zu korrigieren.

Nicht zu übermalen.

Nicht zu „lösen“.

Sondern zu warten.

Das ist nicht immer einfach.

Denn Zögern lässt sich schwer greifen.

Es ist nicht konkret.

Es zeigt sich nicht klar.

Es erklärt sich nicht.

Und genau das macht es herausfordernd.

In solchen Momenten stehe ich oft einfach vor dem Bild.

Ich schaue.

Ich gehe einen Schritt zurück.

Ich lasse es wirken.

Manchmal lege ich die Pinsel weg.

Nicht aus Resignation –

sondern aus Vertrauen.

Denn oft geschieht genau dann etwas:

Der Blick verändert sich.

Ein Detail tritt hervor.

Eine Richtung wird klarer.

Nicht, weil ich sie erzwungen habe.

Sondern weil ich Raum gelassen habe.

Das Zögern ist kein Fehler im Prozess.

Es ist Teil der Bewegung.

Ein leiser Abschnitt zwischen zwei Entscheidungen.

Es fordert etwas, das wir selten üben:

Nicht sofort zu handeln.

Nicht sofort zu reagieren.

Nicht sofort weiterzugehen.

Und doch trägt genau das.

Denn manches entsteht nicht durch Tun,

sondern durch das, was wir nicht tun.

Heute weiss ich:

Ein Bild wächst nicht nur durch das,

was ich hinzufüge.

Sondern auch durch das,

was ich stehen lasse.

Vielleicht ist das Zögern kein Zeichen von Unsicherheit.

Sondern von Aufmerksamkeit.

✨ Leiser Impuls

Wo in deinem Leben zeigt sich gerade ein Zögern?

Und was würde passieren,

wenn du es nicht sofort auflösen müsstest?

✨ was sich verändert hat

Thu, 30 Apr 2026 15:39:28 GMT

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✨ Was sich verändert hat

Lange war meine Webseite ein Ort, an dem ich vieles gezeigt habe.
Unterschiedliche Arbeiten, verschiedene Ausdrucksformen, eine gewisse Fülle.

Es war stimmig für diese Zeit.

Und doch hat sich in mir etwas verändert.

Ich habe begonnen, genauer hinzuschauen.
Nicht im Sinne von „besser machen“ – sondern im Sinne von klarer werden.

Was trägt wirklich?
Welche Arbeiten stehen für mich?
Was darf bleiben – und was darf gehen?

Diese Fragen haben mich in den letzten Wochen begleitet.

Es war kein lauter Prozess.
Eher ein leises Sortieren.

Ein Weglassen.
Ein Reduzieren.

Und damit verbunden auch ein Entscheiden.

Nicht alles, was entsteht, muss gezeigt werden.
Und nicht alles, was gezeigt wird, braucht viele Worte.

Mit dieser Haltung habe ich meine Arbeiten neu geordnet.
Aquarelle, Fotografien, ausgewählte Werke.

Weniger – und gleichzeitig mehr.

Mehr Ruhe.
Mehr Klarheit.
Mehr ich.

Auch meine Sprache hat sich verändert.

Weg von Erklärungen.
Weg von grossen Worten.

Hin zu dem, was trägt, ohne laut zu sein.

Das Atelier ist dabei für mich noch einmal deutlicher zu dem geworden, was es schon immer war:

Ein Raum.

Ein Raum, in dem nichts muss.
Ein Raum, in dem etwas entstehen darf.

Vielleicht ist genau das die grösste Veränderung:

Ich habe aufgehört, etwas hinzufügen zu wollen.
Und begonnen, stehen zu lassen, was da ist.

Meine Arbeiten dürfen jetzt wirken.
In ihrer eigenen Ruhe.
In ihrem eigenen Tempo.

Und vielleicht ist das auch eine Einladung:

Nicht mehr zu suchen.

Sondern wahrzunehmen, was bereits da ist.

Wenn du magst, schau dich in Ruhe um.
Vielleicht findest du etwas, das dich berührt – leise, ohne Erklärung.

Ein Tag voller Begegnungen am Dörflimärit 🌿✨

Sun, 24 Aug 2025 13:37:29 GMT

Ein Tag voller Begegnungen am Dörflimärit ��✨

Am Samstag 23.08.2025 durfte ich mit meinen Bildern, Karten und Kreativideen am traditionellen Hettiswiler Dörflimärit dabei sein – und was soll ich sagen: es war ein einzigartiger Tag!

Schon beim Einrichten meines Standes lag diese besondere Stimmung in der Luft – voller Vorfreude, Neugier und Kreativität. Und genau das hat sich durch den ganzen Tag gezogen: so viele interessierte Besucher:innen, schöne Gespräche, unerwartete Begegnungen, liebe Käufer:innen und inspirierender Austausch.

Es berührt mich jedes Mal aufs Neue, zu erleben, wie meine Werke Menschen ansprechen – ob eine handgefertigte Aquarellkarte, ein abstraktes Acrylbild oder ein liebevoll gestaltetes Detail. Kunst verbindet, öffnet Herzen und schafft Nähe – auch zwischen Fremden, die für einen kurzen Moment gemeinsam verweilen.

�� Ein herzliches Dankeschön an alle, die vorbeigeschaut, sich interessiert, mir ein Lächeln geschenkt oder sogar eines meiner Werke mit nach Hause genommen haben. Eure Wertschätzung und eure Worte sind für mich das grösste Geschenk!

Der Dörflimärit hat mir wieder gezeigt: Kreativität gehört mitten ins Leben – dort, wo Menschen zusammenkommen, sich austauschen und Freude teilen.

Ich freue mich schon jetzt auf das nächste Mal - am 05.08.2028 – und bis dahin entstehen in meinem Atelier bestimmt wieder neue Werke, die nur darauf warten, entdeckt zu werden.

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die drei Musketiere

Sat, 23 Nov 2024 14:28:31 GMT

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✨ Eine neue Auftragsarbeit hat begonnen ✨

Der Start eines weiteren, besonderen Projektes; diese Leinwand wird bald lebendig werden – mit den treuen Blicken und sanften Seelen von zwei Hunden und einem Pferd ��. Jede Linie, jeder Pinselstrich erzählt eine Geschichte und bringt die Verbindung zwischen Mensch und Tier zum Ausdruck.

Ich bin dankbar, Herzensaufträge annehmen zu dürfen um die Einzigartigkeit jedes Tieres festzuhalten. Der erste Schritt ist getan – die Skizze steht, und jetzt beginnt der kreative Prozess.

Bleibt dran, ich werde Euch auf die Reise mitnehmen, wie aus diesem Entwurf ein lebendiges Kunstwerk entsteht! ��

Was bedeutet für Euch die Verbindung zu Euren Tieren? Lasst es mich in den Kommentaren wissen!

Venezio

Sun, 17 Nov 2024 15:25:44 GMT

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In Erinnerung an Venezio – ein Pferd mit Seele und Charakter

Venezio, geboren am 23. Februar 1988, verabschiedete sich am 9. Oktober 2024. Dieses Bild ist eine Hommage an ein ganz besonderes Pferd. Mit seinem wunderschönen Charakter und einer Spur Eigenwilligkeit war er nicht nur ein treuer Begleiter, sondern auch eine Quelle von Inspiration, Vertrauen und tiefer Verbundenheit.

Seine Präsenz war etwas Magisches – eine Mischung aus Sanftheit und Stärke, die jeden berührte, der ihm begegnen durfte. Venezio hat Spuren hinterlassen, nicht nur auf den Wegen, die er ging, sondern auch in den Herzen derer, die ihn liebten.

Dieses Bild hält seine Essenz fest – ein Blick voller Leben, Weisheit und einer Persönlichkeit, die unvergessen bleibt. Danke, Venezio, für die Jahre, in denen du die Welt bereichert hast. ��❤️

Cover & Diavo - Freund und Begleiter

Thu, 10 Oct 2024 13:49:51 GMT

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Cover & Diavo – Die treuen Seelenbegleiter ��✨

Beide Pferde, der stolze weisse Cover und der kräftige dunkle Diavo, zeigen die Essenz dessen, was Pferde für uns bedeuten – treue Gefährten, die uns sowohl Kraft als auch Sanftmut vermitteln. Cover strahlt mit seiner Haltung und dem klaren Ausdruck eine ruhige, fast friedliche Präsenz aus. Man kann fast fühlen, wie sanft es wohl sein muss, mit ihm Zeit zu verbringen.

Diavo, mit seiner dunkleren Mähne, bringt sofort Gedanken an Abenteuer, Stärke und den wilden Geist, der in jedem Pferd schlummert. Die Holzstruktur, die als Hintergrund dient, passt perfekt zu ihrer natürlichen Schönheit und erinnert uns daran, wie stark unsere Verbindung zur Natur ist.

Vielen Dank für diesen wunderschönen Auftrag! ��✨

Die Arbeit an Cover und Diavo hat mich tief berührt, denn diese beiden Seelenpferde verkörpern so viel Liebe, Stärke und Verbundenheit. Es war eine wahre Freude, die treuen Begleiter auf Holz festzuhalten und ihre Geschichten durch die Kunst zum Leben zu erwecken. ��

Das Vertrauen, das mir entgegengebracht wurde, diese wertvollen Gefährten zu verewigen, bedeutet mir sehr viel. Danke für diese inspirierende Zusammenarbeit und für die Möglichkeit, Teil einer so besonderen Beziehung zwischen Mensch und Pferd darstzustellen. ��

#Dankbarkeit #KunstMitHerz #WertvolleAufträge #Seelenpferde #TreueBegleiter #Pferdeliebe #CoverUndDiavo #KunstMitSeele #VertrauenUndFreundschaft #Lebensbegleiter #KunstAufHolz

Oulmes & Lila - Kraft und Licht in Harmonie

Fri, 30 Aug 2024 11:08:12 GMT

Oulmes & Lila

Zwei Seelen, zwei Welten, ein Herzschlag in Farbe. ��

Mit grosser Freude durfte ich die einzigartigen Charaktere von Oulmes und Lila auf Leinwand festhalten. Jedes Pferd erzählt seine eigene Geschichte – Oulmes, majestätisch und kraftvoll, eingerahmt von einem mystischen Pentagramm, und Lila, sanft und strahlend, geborgen in der Wärme der Sonne.

Es war eine wunderbare Reise, die Essenz dieser faszinierenden Tiere einzufangen und ihre Präsenz in diesen Bildern zum Leben zu erwecken. Ein riesiges Dankeschön an die Auftraggeberin für das Vertrauen in meine Kunst und die Möglichkeit, Teil dieser besonderen Verbindung zu sein.

Wenn auch du deine Leidenschaft, deine Lieblinge oder deine Träume in Farben und Formen auf der Leinwand verewigt sehen möchtest, dann lass uns gemeinsam etwas Einzigartiges schaffen. ✨

Der Zylus der Temperamente

Mon, 19 Aug 2024 16:16:15 GMT

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Der Zyklus der Temperamente

Dieser Titel fängt die Idee ein, dass das Bild nicht nur die vier Jahreszeiten darstellt, sondern auch die vier Temperamente nach der Lehre von Hippokrates, die sich im Lauf der Jahreszeiten widerspiegeln. Jede Jahreszeit repräsentiert eine Phase des Lebens und eine innere Stimmung, die in einem stetigen Zyklus miteinander verwoben sind. Der Baum, der all diese Elemente in sich trägt, symbolisiert das Zusammenspiel von Natur und Mensch, von außen und innen.

Die vier Säfte – Blut, Schleim, gelbe Galle und schwarze Galle – sind mit den vier Jahreszeiten, den vier Elementen und den vier Temperamenten verbunden. In diesem Bild sehen wir eine tiefe Verbindung zu diesen Konzepten:

Frühling (Blut, Sanguiniker):
Unten links im Bild, wo die Blüten in einem kräftigen Rosa und Weiß blühen, symbolisiert der Frühling das Erwachen, die Lebenskraft und die Wärme. Dies könnte mit dem Sanguiniker assoziiert werden, der lebensfroh und optimistisch ist.

Sommer (Gelbe Galle, Choleriker, Sonne):
Im oberen Die strahlende Sonne ist hier nicht nur ein Symbol für die äußere Hitze, sondern auch für die innere Energie des Cholerikers. Diese Energie manifestiert sich in Tatendrang, Dominanz und manchmal auch in einer gewissen Hitzköpfigkeit. Der Baum, der unter dem vollen Licht der Sonne blüht, steht für die Fülle und Lebenskraft, die den Sommer und das cholerische Temperament in sich trägt. Die leuchtenden Farben und die kraftvolle Präsenz des Baumes spiegeln die unbändige Energie und das dynamische Wesen des Cholerikers wider, der immer auf der Suche nach neuen und möglichen Möglichkeiten ist

Diese Darstellung betont die Rolle der Sonne als zentrale Quelle von Licht und Wärme, die den Sommer prägt und das cholerische Temperament mit Leben erfüllt. Die physische und psychische Energie, die von der Sonne ausgeht, ist sowohl ein Zeichen von äußerer Kraft als auch von innerem Feuer, das den Choleriker antreibt und ihm seine charakteristische Intensität verleiht.

Herbst (Schleim, Phlegmatiker):
Im unteren rechten Bereich des Bildes sehen wir grüne Blätter, die langsam in einen herbstlichen Zustand übergehen. Die kühlen Töne, die hier dominieren, repräsentieren den Herbst, der mit dem Schleim und dem phlegmatischen Temperament verbunden ist. Der Phlegmatiker ist ruhig, ausgeglichen und gelassen, was sich in den gedämpften Farben und der sanften Darstellung dieses Teils des Bildes widerspiegelt. Der Herbst symbolisiert den Übergang und die Vorbereitung auf den Winter, eine Zeit der Besinnung und des Rückzugs, ähnlich wie das phlegmatische Temperament.

Winter (Schwarze Galle, Melancholiker, Kälte):

Die karge Darstellung des Baumes ohne Blätter, der unter einem finsteren Himmel steht, symbolisiert die Zurückgezogenheit und die emotionale Tiefe, die typisch für den Winter und den Melancholiker sind. Die Kälte des Winters steht hier für die inneren Zustände des Melancholikers, der sich häufig in tiefgründige Gedanken und introspektive Reflexionen vertieft. Die dunklen, erdigen Farben und die leblosen Äste vermitteln ein Gefühl der Einsamkeit und der inneren Einkehr, die der Melancholiker sucht, um sich mit seinen komplexen Gefühlen auseinanderzusetzen.

Die Dunkelheit, die den Winter dominiert, verstärkt das Gefühl von Isolation und innerer Stille. Der Winter, als eine Zeit des Rückzugs und der Vorbereitung auf den Neuanfang des Frühlings, zeigt die Phase der inneren Reflexion, die der Melancholiker durchläuft, um zu innerem Wachstum und Verständnis zu gelangen. Die Kälte und die Ruhe dieser Szene symbolisieren den emotionalen Zustand des Melancholikers, der eine tiefe Verbindung zu seinen Gedanken und Gefühlen hat und sich oft in seine eigene innere Welt zurückzieht.

Diese Darstellung betont den Winter als eine Zeit der inneren Einkehr und der emotionalen Tiefe, die das melancholische Temperament kennzeichnet. Die Kälte, Dunkelheit und die karge Landschaft sind nicht nur Ausdruck der äußeren Jahreszeit, sondern spiegeln auch die innere Welt des Melancholikers wider, die von Nachdenklichkeit, Ernsthaftigkeit und einer tiefen emotionalen Verstärkung.

Dieses Werk ist für mich mehr als nur ein Bild – es ist ein Ausdruck der tiefen Verbindung zwischen Mensch und Natur, zwischen innerer und äusserer Welt. Es war mir eine Ehre, diese Vision zum Leben zu erwecken. �� Herzlichen Dank für diesen wunderbaren Auftrag!

Inspiration: Die Vier-Säfte-Lehre von Hippokrates, Natur und Mensch, Jahreszeiten und Emotionen. Medium: Acryl auf Leinwand, Grösse: 90 x 120 cm

✨ Interessiert an einem eigenen, massgeschneiderten Kunstwerk? ✨

Ich nehme gerne Aufträge entgegen, die deine persönliche Geschichte, Emotionen oder Visionen in Form von Kunst ausdrücken. Lass uns gemeinsam etwas Einzigartiges schaffen! Schreib mir einfach eine Nachricht. �� info@barbaras-art.ch

Nächtliche Blüten

Thu, 04 Jul 2024 13:54:09 GMT

Nächtliche Blüten

Nächtliche Blüten

Die stillen Stunden nach Sonnenuntergang haben immer etwas Mystisches an sich, eine tiefe Ruhe und eine verborgene Schönheit, die nur im Schein der Sterne sichtbar wird. Mit dieser Inspiration im Herzen entschied ich mich, ein Bild zu malen, das die Essenz dieser nächtlichen Magie einfängt.

Ich wählte ein tiefes Schwarz als Hintergrundfarbe, um die nächtliche Atmosphäre darzustellen. Die Dunkelheit war nicht leer, sondern voller Geheimnisse und Potenzial. Mit feinen, goldenen Linien fügte ich Strukturen hinzu, die an Gräser und feine Zweige erinnerten, die im schwachen Licht glitzerten. Diese Linien symbolisierten die unsichtbaren Verbindungen und Energien, die in der Stille der Nacht pulsieren.

Zwischen den goldenen Linien setzte ich kleine Punkte in leuchtendem Pink und Weiss. Diese Farben stellen die zarten Blüten dar, die in der Dunkelheit blühen, wie kleine Wunder, die nur im Verborgenen zu finden sind. Jede Blüte als ein Symbol für Hoffnung, Träume und die Schönheit, die selbst in den dunkelsten Momenten unseres Lebens existieren.

Während ich malte, dachte ich daran, wie oft wir die Schönheit des Lebens übersehen, weil wir von der Dunkelheit überwältigt sind. Doch gerade in diesen Momenten gibt es Licht und Farbe, die nur darauf warten, entdeckt zu werden. Dieses Bild soll daran erinnern, dass in jeder Dunkelheit auch Licht verborgen ist, und dass die Schönheit oft in den unerwartetsten Augenblicken zu finden ist.

Ich nenne das Bild "Nächtliche Blüten". Es ist ein Symbol für die verborgene Schönheit und die stillen Wunder, die uns umgeben, wenn wir nur genau hinsehen. Dieses Kunstwerk soll dich als Betrachter/In dazu inspirieren, in deinen eigenen dunklen Zeiten nach den kleinen Blüten der Hoffnung und des Lichts zu suchen. Es erinnert uns daran, dass selbst in der tiefsten Dunkelheit die Möglichkeit für neues Leben und neue Träume existiert.

Ich lade dich ein, die stille Magie der "Nächtlichen Blüten" selbst zu erleben. Tauche ein in die Tiefen der Nacht und entdecke die leuchtenden Wunder, die im Verborgenen blühen. Lass dich von den zarten, goldenen Linien und den strahlenden Blüten inspirieren, die Hoffnung und Schönheit selbst in den dunkelsten Momenten symbolisieren.

Besuche mein Malatelier und erlebe dieses und viele weitere Kunstwerke hautnah. Lass uns gemeinsam die verborgene Schönheit und die stillen Wunder des Lebens entdecken und in Farben und Formen festhalten.

Hast du Lust auf dein eigenes Malerlebnis?
Ich freue mich darauf, dich bald in meinem Atelier begrüssen zu dürfen.

Herzlichst,
Barbara

Kontakt: info@barbaras-art.ch
weitere Werke findest du hier: www.barbaras-art.ch

Mondscheinspiegelung

Sun, 30 Jun 2024 17:33:35 GMT

Mondscheinspiegelung

In einem kleinen Dörfchen, wo die Tannen den Himmel berühren, lebte eine Künstlerin namens Barbara. Ihr Atelier, ein Ort voller Farben und Inspiration, ist ihr Inspirationsort, in dem sie die Magie auf Leinwand bannt.

Eines Abends, als der Mond sanft über den Horizont kroch und seine silbernen Strahlen auf das ruhige Wasser ihres Teichs warf, fühlte Barbara eine tiefe Verbindung zu diesem friedlichen Moment. Sie entschied sich, dieses Gefühl der Ruhe und Weite in einem neuen Gemälde festzuhalten. Mit einer Palette aus Blau-, Türkis- und Gelbtönen begann sie, ihre Vision auf die Leinwand zu bringen.

Das Bild, das sie schuf, fängt die stille Schönheit eines stillen Abends am Wasser ein. Der Mond, halb verborgen hinter zarten Wolken, wirft sein schimmerndes Licht auf das glatte Wasser, das die Farben des Himmels widerspiegelt. In der Ferne zeichnen sich dunkle Silhouetten der Wälder ab, die wie Wächter über den See wachen.

Jeder Pinselstrich erzählt eine Geschichte von Ruhe und Kontemplation, von den flüchtigen Augenblicken, in denen die Natur ihre Geheimnisse preisgibt. Die reflektierenden Lichter auf der Wasseroberfläche symbolisieren die tiefe Verbundenheit zwischen Himmel und Erde, zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren.

Barbara nennt ihr Werk „Mondscheinspiegelung“. Es ist mehr als nur ein Bild; es ist eine Einladung, innezuhalten und die stille Pracht der Welt zu betrachten. Jeder, der vor diesem Gemälde steht, kann die sanfte Brise spüren, die über den See streicht, und das leise Plätschern des Wassers hören. Es ist eine Erinnerung daran, dass Schönheit oft in den ruhigsten Momenten zu finden ist.

Mit „Mondscheinspiegelung“ erschuf Barbara nicht nur ein Kunstwerk, sondern auch eine Brücke zu den friedlichen Momenten, die uns die Natur schenkt. Ein Zeugnis ihrer Fähigkeit, das Unsichtbare sichtbar zu machen und die Essenz der Ruhe auf die Leinwand zu bringen.

Entdecke die Magie der Natur auf Leinwand und tauche ein in die Ruhe des Abends. Besuche barbaras-art.ch und bringe diese friedvolle Schönheit in dein Zuhause.

info@barbaras-art.ch
www.barbaras-art.ch

Vier Jahreszeitenbaum

Sun, 23 Jun 2024 16:02:53 GMT

Die vier Jahreszeiten

Willkommen in meinem Atelier!

Mit grosser Freude präsentiere ich euch zwei meiner neuesten Bilder, die in den letzten Tagen entstanden sind. Diese Werke sind für mich mehr als nur Farben auf einer Leinwand – sie sind ein Ausdruck meiner tiefsten Gefühle und Gedanken.

"Der Baum der Jahreszeiten"

Dieses Bild ist inspiriert von der Ruhe und dem Frieden, den ich oft in der Natur finde. Die weichen Farbübergänge und die harmonischen Formen laden den Betrachter ein, sich fallen zu lassen und die Stille zu geniessen.

"Lebenskreislauf"

Im Gegensatz dazu steht dieses Werk, das die lebendige Energie und die ständige Veränderung des Lebens widerspiegelt. Die kräftigen Farben und dynamischen Linien erzählen von der Bewegung und den Herausforderungen, die uns täglich begegnen.

Diese Bilder dienen als Beispiele für einen konkreten Malauftrag, damit sich die Kunden vorstellen kann, wie ich ihre Wünsche auf die Leinwand bringen werde.

Lasst euch inspirieren und kontaktiert mich gern, um eure eigenen Vorstellungen und Ideen in ein persönliches Kunstwerk verwandeln zu lassen.

Ich lade dich herzlich ein, meine Bilder nicht nur anzuschauen, sondern auch zu fühlen und zu erleben. Jedes Werk ist ein Teil von mir und meiner Reise als Künstlerin. Wenn du Interesse hast, mehr über meine Arbeiten oder meine kreativen Coachings zu erfahren, freue ich mich über deinen Besuch und dein Feedback.

Herzlichst, Barbara

Ein herzliches Dankeschön!

Mon, 17 Jun 2024 09:11:40 GMT

Ein herzliches Dankeschön!

✨ Verkauf eines meiner Werke - Ein herzliches Dankeschön! ✨

Ich freue mich sehr, dass dieses besondere Werk nun ein neues Zuhause gefunden hat! ��⛵️ Dieses Werk, das ein Segelschiff auf ruhiger See bei Sonnenuntergang zeigt, symbolisiert die Reise des Lebens – mal stürmisch, mal ruhig, aber immer voller Abenteuer und neuer Horizonte.

Jeder Pinselstrich und jede Farbnuance erzählt eine Geschichte von Ruhe, Weite und dem endlosen Horizont des Meeres. Der Mond am Horizont erinnert uns daran, dass nach jeder dunklen Nacht wieder ein heller Tag folgt. ��✨

Es ist immer ein besonderer Moment, wenn eines meiner Werke seinen Platz in einem neuen Zuhause findet. Ich hoffe, dass dieses Gemälde seiner neuen Besitzerin genau die Gefühle von Frieden und Hoffnung vermittelt, die ich beim Malen empfunden habe.

Falls du auch Interesse an einzigartigen Kunstwerken hast, die mit viel Liebe und Leidenschaft geschaffen wurden, lade ich dich herzlich ein, meine Homepage zu besuchen: www.barbaras-art.ch ��️

Dort findest du eine Vielzahl weiterer Gemälde zu fairen Preisen, die darauf warten, entdeckt zu werden. ��

Und hier ein besonderes Highlight: Am Samstag, den 20.07.2024, sind meine Ateliertüren von 11:00 bis 15:00 Uhr für dich geöffnet! Komm vorbei, tauche ein in die Welt der Kunst und entdecke meine neuesten Werke persönlich. Ich freue mich auf deinen Besuch! ��

Vielen Dank für die Unterstützung und das Vertrauen in meine Kunst. Jeder Kauf bedeutet mir unglaublich viel und ermutigt mich, weiterhin meiner Leidenschaft nachzugehen und neue Werke zu schaffen.

Mit herzlichen Grüssen,
Barbara Liechti

Die Magie von "Die drei Boote"

Tue, 11 Jun 2024 07:01:51 GMT

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Die Magie von "Die drei Boote"

Im Herzen des Berner Oberlands, wo die Berge majestätisch in den Himmel ragen und die Seen wie stille Zeugen der Zeit glitzern, hat das Kunstwerk "Die drei Boote" seinen neuen Platz gefunden. Dieses tiefgründige Bild, geschaffen mit einer meisterhaften Mischung aus Farben und Emotionen, lädt jeden Betrachter zu einer stillen Reise ein.

Die drei Boote scheinen auf den ersten Blick einfach, doch bei genauerem Hinsehen erzählen sie eine Geschichte von Ruhe, Freiheit und unendlicher Weite. Die Boote ruhen friedlich auf einem spiegelglatten See, umgeben von der beruhigenden Präsenz der Berge. Die Farben des Himmels spiegeln sich im Wasser wider und schaffen eine Symphonie aus Blau- und Grüntönen, die die Seele beruhigt und das Herz öffnet.

Stell dir vor, du sitzt in einem dieser Boote, die Sonne wärmt dein Gesicht, eine sanfte Brise streicht über das Wasser und du gleitest mühelos dahin, fernab vom Lärm und der Hektik des Alltags. Dieses Bild fängt nicht nur einen Moment ein, sondern eine ganze Welt voller Träume und Sehnsüchte.

Die neuen Besitzer dieses Kunstwerks, denen ich von Herzen danken, haben sich nicht nur ein Bild, sondern einen Ort der Zuflucht und der Inspiration gesichert. Es ist ein Fenster in eine Welt, in der die Zeit stillsteht und die Schönheit des Augenblicks ewig währt.

Info:

Am 15.06.2024 sind die Ateliertüren wieder von 11.00-15.00 Uhr geöffnet. Besucher sind herzlich willkommen, um zu stöbern, ihr einzigartiges Kunstwerk zu entdecken, das Atelier und seine einzigartige Atmosphäre auf sich wirken zu lassen.

Ich freue mich auf deinen Besuch!

Stutz 8

3325 Hettiswil

info@barbaras-art.ch

www.barbaras-art.ch

Vernissage Hotel & Restaurant Orchidee, Burgdorf

Sat, 20 Apr 2024 08:55:17 GMT

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Liebe Vernissage-Gäste

Ich möchte mich von ganzem Herzen bei dir für deine Teilnahme an der stimmungsvollen Vernissage am Freitag, dem 19. April 2024, im Hotel & Restaurant Orchidee in Burgdorf bedanken. Deine Präsenz hat diese Veranstaltung zu einem unvergesslichen Erlebnis gemacht.

Die Kunstwerke, die ich an diesem Abend präsentieren durfte, wurden durch deine Anwesenheit und dein Interesse zum Leben erweckt. Deine Begeisterung und deine positiven Reaktionen haben die Atmosphäre mit Energie und Freude erfüllt, und ich bin von deiner grossartigen Resonanz sehr berührt.

Ein besonderer Dank gebührt natürlich auch dem sehr geschätzten Gastgeber, der es uns ermöglicht hat, diesen Abend der Kunst und Kultur zu gestalten. Seine Unterstützung und Engagement haben massgeblich dazu beigetragen, dass diese Vernissage zu einem Erfolg wurde.

Danke für die gemeinsam verbrachte Zeit!
Möge diese Vernissage der Anfang einer fortwährenden Reise durch die Welt der Kunst sein, die ich auch gerne weiterhin mit dir teilen möchte.

Herzliche Grüsse
Barbara

www.barbaras-art.ch
info@barbaras-art.ch

Kreativ-Coachiong - male dein Seelenbild - Impressionen

Sun, 07 Apr 2024 12:19:52 GMT

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Danke für dieses tolle Kreativ-Coaching!

Ganz herzlichen Dank für diese inspirierenden Stunden. Die Offenheit und Kreativität der Klientin haben diesen Tag zu etwas Besonderem gemacht.
Es war mir eine grosse Freude, gemeinsam in die Welt der Kunst einzutauchen und dein Seelenbild entstehen zu sehen.

Durch meine einzigartigen Coaching-Methode unterstütze ich Menschen, ihre inneren Gedanken und Emotionen auf die Leinwand zu bringen und das ganz persönliches Seelenbild zu erschaffen.

Wenn auch du Interesse daran hast, deine kreative Ader zu erkunden und dein Seelenbild zu malen, dann bist du bei mir richtig!
Bereit, dein Seelenbild zu malen?
Dann melde dich noch heute für ein Kreativ-Coaching an und erlebe, wie Kunst dein Leben bereichern kann!
info@barbaraliechti.ch / +41 79 455 49 64

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Ausstellungsimpressionen bei MedBase, Schwanengasse, Bern

Mon, 19 Feb 2024 12:10:31 GMT

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Ein Dankeschön an MedBase Bern

In meiner Freizeit tauche ich leidenschaftlich gerne in die Welt der Farben ein. Es ist für mich eine Zeit des Abschaltens, des Loslassens und des Zulassens. Hier gibt es keine Urteile, nur die Möglichkeit, aufzutanken und mich frei zu fühlen.

Die Neugier treibt mich an, mit den unterschiedlichsten Materialien, Farben, Formen und Techniken zu spielen. Ich liebe es zu experimentieren und mich manchmal sogar vom Ergebnis überraschen zu lassen. Dieses Spiel empfinde ich als äusserst bereichernd und zugleich entspannend, ja bisweilen meditativ.

Es geht darum, den inneren Moment sichtbar zu machen, ohne Druck oder Zwang. In meiner Welt des Malens muss nichts, aber alles darf sein.

Wie passend ist da das Zitat von Winston Churchill: "Malen ist die vollkommene Erholung. Ich kenne nichts, das den Geist vollständiger in Anspruch nimmt, ohne den Körper zu erschöpfen."

An dieser Stelle möchte ich einen besonderen Dank an MedBase Bern aussprechen. Durch ihre grosszügige Unterstützung und Gastfreundschaft habe ich die Möglichkeit erhalten, meine Leidenschaft in einem medizinisch-/therapeutischen Kontext auszustellen.

Es ist nicht selbstverständlich, dass Einrichtungen wie MedBase Bern solche Programme anbieten. Ihre Hingabe zur ganzheitlichen Gesundheit verdient höchste Anerkennung und Dankbarkeit.

Für mich ist es eine sehr schöne Erfahrung. Sie zeigt, wie wichtig es ist, Raum für kreative Selbstentfaltung zu schaffen und dass Kunst heilend sein kann.

Nochmals vielen herzlichen Dank an das Team von MedBase Bern für diese wertvolle Erfahrung und die Möglichkeit, meine Leidenschaft zu leben.

Barbaras-Art-Blog

barbara.liechti69@gmail.com (Barbara Liechti) — Sat, 19 Nov 2022 09:42:06 GMT

Barbaras-Art Galerie geht online

Herzlich willkommen bei Barbaras-Art!

Ich freue mich riesig, dass du hier bist und gemeinsam mit mir den Start meines ersten Blogs feierst. Dieser Blog ist nicht nur ein weiterer Schritt in meiner beruflichen Reise, sondern auch ein Herzensprojekt, das meine Leidenschaft für Kunst, Individualpsychologie und kreatives Coaching vereint.

Seit Oktober 2014 bin ich als selbständige individualpsychologische Beraterin tätig und habe in dieser Zeit viele wunderbare Menschen auf ihrem Weg zu mehr Klarheit und Stärke in ihren Beziehungen begleitet. Die Individualpsychologie, die uns hilft, uns selbst und unsere Beziehungen besser zu verstehen, ist ein zentraler Bestandteil meiner Arbeit. Doch darüber hinaus gibt es noch so viel mehr, was mein Leben und meine Arbeit prägt.

Kunst ist für mich eine besondere Ausdrucksform, die mir hilft, meine Gedanken und Gefühle zu verarbeiten und zu kommunizieren. In meinem Malatelier biete ich Kreativ-Coachings an, bei denen ich Menschen ermutige, ihre eigene kreative Kraft zu entdecken und zu entfalten. Diese Coachings sind ein Ort des Austauschs, des Lernens und des persönlichen Wachstums – und genau das möchte ich auch mit diesem Blog erreichen.

In den kommenden Beiträgen wirst du hier eine bunte Mischung aus Themen finden: Einblicke in meine Arbeit als Beraterin, Tipps und Anregungen zur Persönlichkeitsentwicklung, Inspirationen aus der Kunstwelt und praktische Übungen für mehr Kreativität im Alltag. Ich möchte dir Werkzeuge an die Hand geben, die dir helfen, dein eigenes Leben bewusster und erfüllter zu gestalten.

Gleichzeitig ist dieser Blog auch ein Ort des Austauschs. Deine Gedanken, Fragen und Anregungen sind mir wichtig, denn sie bereichern nicht nur mich, sondern auch die gesamte Community, die hier entsteht. Also zögere nicht, deine Kommentare zu hinterlassen und Teil dieser Reise zu werden.

Zum Abschluss möchte ich mich bei dir bedanken. Dein Interesse und deine Unterstützung bedeuten mir sehr viel. Gemeinsam werden wir diesen Blog zu einem lebendigen, inspirierenden und kraftvollen Ort machen.

Auf eine spannende Reise voller Kreativität und persönlichem Wachstum!

Herzlichst, Barbara